Die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung An Incomplete Assembly in der Kunsthalle Osnabrück zeigt aktuelle, internationale Arbeiten der Medienkunst, die größtenteils über die jährliche öffentliche Ausschreibung ausgewählt wurden. Die versammelten Positionen entstanden in den vergangenen Jahren und reichen von Installationen über filmische Arbeiten und Installationen bis hin zu digitalen Interventionen.

Thematischer Ausgangspunkt der Ausstellung ist die Versammlung: das Zusammenkommen von Stimmen, Bildern, Körpern und Zeitordnungen. Wo solche Konstellationen immer wiederkehren, Abläufe ritualisiert und Narrative stabilisiert werden, bilden sich institutionelle Strukturen. Sie organisieren Öffentlichkeit, regeln Teilhabe, markieren Zugehörigkeit, ordnen – und produzieren Ausschlüsse.

Institutionen erscheinen dabei nicht als statische Gebilde oder klar umrissene Organisation, sondern als performative Ordnung: als Gefüge aus räumlichen Anordnungen, medialen Rahmungen und zeitlichen Regimen, das Wahrnehmung strukturiert und Verhalten formt. Die beteiligten Künstler*innen untersuchen, wie solche Ordnungen entstehen – durch Wiederholungen, Synchronisierung, räumliche Setzung und narrative Codierung –, worin sie sich manifestieren und wie sie sich im Vollzug stets neu herstellen. Zugleich fragen sie, wo diese Gefüge brüchig werden und welche anderen Formen des Zusammenkommens darin sichtbar werden.

Robin Kötzles Zwei-Kanal-Installation Sehen wer wir sein (s|w)ollten analysiert die mediale Konstruktion politischer Ereignisse. Synchron laufen Ausschnitte aus der ostdeutschen Aktuellen Kamera und der westdeutschen Tagesschau, die über Proteste zwischen 1952 und 1991 berichteten. Wenn ein Ereignis im jeweils anderen System nicht vorkommt, bleibt der Bildschirm schwarz. In dieser formalen Präzision werden ideologische Rahmungen, sprachliche Codierungen und historische Leerstellen erfahrbar. Sichtbarkeit erweist sich als Resultat institutioneller Entscheidung – als etwas, das hergestellt und ebenso verweigert werden kann.

Bethan Hughes richtet in Built to Order I den Blick auf eine Wohnsiedlung in Berlin-Neukölln und untersucht Architektur als Projektionsfläche sozialer Vorstellungen. Archivmaterial, Found Footage und neu gedrehte Aufnahmen entfalten sich auf zwei einander gegenüberliegenden Screens, verdichtet im Zusammenspiel mit Skulptur, Licht und Klang. Hughes zeigt, wie Überwachung, Disziplinierung, Projektion und rassifizierte Zuschreibungen in gebaute Strukturen eingeschrieben sind. Architektur fungiert nicht als neutraler Hintergrund, sondern als aktive Mitproduzentin gesellschaftlicher Ordnung.

Bianca Baldi erweitert diese Perspektive um eine zeitliche Dimension. In Hear her calendar system a year of thirteen months geht sie von einer Fotografie eines Feigenbaums in Äthiopien aus dem Familienarchiv aus. Daraus entwickelt sie eine Auseinandersetzung mit kolonialen Verwaltungs- und Kalendersystemen. Video, Zeichnungen und eine Vokalkomposition überlagern lineare und zyklische Zeitmodelle. Der Baum erscheint als mehr-als-menschliche Zeugin historischer Gewalt und zugleich als Verkörperung alternativer Zeitvorstellungen. Geschichte wird hier nicht als abgeschlossene Chronologie, sondern als veränderbares Gefüge lesbar.

Sarah Reva Mohr untersucht Machtdynamiken in sozialen und physischen Räumen und im Verhältnis von Mensch und Tier. Auch die Arbeit sensational view, tired screams behandelt einen institutionell organisierten Raum: den Zoo von Barcelona. In der Installation entfaltet sich eine vielschichtige Analyse des Zoos als Ort zwischen Fürsorgeversprechen und Machtausübung. Unterschiedliche Perspektiven machen koloniale Blickregime und die Ästhetisierung von Kontrolle sichtbar. Der Zoo wird zur Apparatur, in der Sehen, Wissen und Hierarchie ineinandergreifen und sich gesellschaftliche Machtverhältnisse materialisieren.

In Jarramplas untersucht Yalda Afsah ein jahrhundertealtes Ritual im spanischen Piornal, bei dem ein kostümierter Dorfbewohner von der Menge mit Rüben beworfen wird. Die filmische Arbeit konzentriert sich auf die Struktur der Versammlung: auf die Verdichtung von Körpern, das kollektive Handeln und die Dynamik, die entsteht, wenn sich individuelle Gesten in einer Gruppe synchronisieren. Indem wesentliche Elemente des Geschehens außerhalb des Bildes bleiben, verschiebt Afsah den Blick vom folkloristischen Narrativ hin zu den Mechanismen, durch die Gemeinschaft sich formiert.

Mit dem Alternativen Denkmal für Deutschland verlagert das Alternative Monument collective die Auseinandersetzung mit institutionalisierter Erinnerung in den öffentlichen und digitalen Raum. Das Augmented-Reality-Projekt besitzt keine dauerhafte physische Form, sondern aktiviert sich situativ über mobile Endgeräte. Visuelle Collagen, skulpturale Elemente und Soundfragmente verbinden individuelle Narrative von Migration, Exil und Verdrängung. Das Monument entsteht hier nicht durch Materialität oder Dauer, sondern durch kollektive Aktualisierung. Erinnerung wird als vielstimmiger Prozess erfahrbar, der sich jeder endgültigen Fixierung entzieht.

Im Rahmen der Talks, kuratiert von Franziska Pierwoss, öffnet ein Workshop mit dem Alternative Monument collective das „Alternative Denkmal für Deutschland“ als lebendige Plattform für Austausch und Experiment - und wird mit den Teilnehmenden untersuchen, wie ein zeitgemäßes Denkmal für Migration im öffentlichen Raum gemeinsam gestaltet werden kann.

Die Arbeiten in An Incomplete Assembly zeigen Institutionen als Choreografien von Bildern, Körpern und Zeitstrukturen, die Verhalten lenken und Zugehörigkeit organisieren. Indem sie mediale Leerstellen, architektonische Einschreibungen, zeitliche Raster und erinnerungspolitische Setzungen freilegen, eröffnen sie Räume, in denen Ordnung nicht als gegeben erscheint, sondern als verhandelbar.

Film- und Kunstprofessionals können sich weiterhin hier online akkreditieren.

Wir freuen uns auf Euren Besuch!

Picture Copyright: Bianca Baldi

In der Reihe Artist in Focus stellt das EMAF das filmische Werk namhafter zeitgenössischer Künstler*innen vor, teils auch im Dialog mit weiteren Filmen oder Beiträgen, die mit ihrem Werk in Verbindung stehen. In diesem Jahr präsentieren wir Arbeiten der im Libanon geborenen, in Berlin lebenden Künstlerin Marwa Arsanios (geboren 1978). Damit würdigen wir eine international beachtete künstlerische Praxis, in der Film und Recherche, politische Imagination und kritische Intervention eng miteinander verwoben sind.

Im Zentrum des Programms steht die seit 2017 fortlaufende, inzwischen fünfteilige filmische Serie Who Is Afraid of Ideology?. Darin begleitet Arsanios feministische Kollektive und Initiativen im irakischen Teil Kurdistans, in Syrien, im Libanon und Kolumbien, deren Einsatz für die Vergemeinschaftung und Rückgabe von Land mit ihrem Kampf um Selbstbestimmung Hand in Hand geht. In einem kontinuierlichen Prozess des Gesprächs und Austauschs portraitiert Arsanios Frauen, die in ländlichen Regionen kollektive, antikapitalistische und antipatriarchale Formen des Zusammenlebens praktizieren, die überlieferte Formen der Landnutzung gegenüber Privatisierung und kolonialer Besatzung verteidigen oder sich für die Wiederherstellung von historischem Gemeineigentum einsetzen. Die Weitergabe von Wissen, Solidarität und gegenseitige Unterstützung spielen dabei immer eine Rolle und werden auch in der filmischen Arbeit mit reflektiert.

Der aktuelle, fünfte Teil der Serie, Right of Passage (2026), entfaltet sich in der Welt des Traums. In ihr sind jene Grenzziehungen, die Eigentum und Territorium begründen, die Menschliches von Nichtmenschlichem und Vergangenes von Gegenwärtigem trennen, suspendiert. Ihre Durchlässigkeit ermöglicht die freie Passage unterschiedlicher „politischer Tiere“, die Artikulation traumatischer Verluste und Bildung neuer Allianzen.

Im Dialog mit ihren eigenen Arbeiten zeigt Arsanios Filme von Simone Bitton, Mohammad Malas und Reem Shilleh, die ergänzt und erweitert werden durch Workshops, Lesungen und Gespräche mit Ali AlAdawy, Haytham el-Wardany und Stefanie Baumann. Sie orientieren sich an Fragen, die Arsanios folgendermaßen skizziert:

„Wie können wir von Filmen lernen, die aus dem Land heraus entstehen, die in Landkonflikten verwurzelt sind und selbst zu pädagogischen Objekten werden? Welche filmischen Formen erwachsen aus der Topografie eines Ortes, seiner geografischen Beschaffenheit und seinen Böden? Und wie wird das Filmset seinerseits zu einem pädagogischen Raum für diese Konflikte?“

Bereits in ihren früheren Arbeiten reflektiert Arsanios das filmische Bild und ihre eigene Verstrickung in unterschiedliche Prozesse der Bilderzeugung zwischen dokumentarischem und fiktionalem Erzählen, militantem Filmemachen und künstlerischer Intervention. In Have You Ever Killed a Bear or Becoming Jamila (2014) begegnen wir der legendären algerischen Revolutionärin Djamila Bouhired in unterschiedlichen medialen Verkörperungen. Von der ikonischen Figur Bouhired ausgehend fragt Arsanios, wie die sozialistischen Projekte und nationalen Befreiungsbewegungen der Vergangenheit feministische Projekte befördert oder marginalisiert haben. In Amateurs, Stars and Extras or Labor of Love (2018) wird das Filmset zum Ort, an dem jene unsichtbaren Formen reproduktiver Arbeit erscheinen, die dem kapitalistischen System Stabilität und Dauer verleihen. In komplex gebauten, inszenierten und dokumentarischen Szenen sprechen Frauen in Mexiko und dem Libanon von Arbeit, Freizeit und Widerstand.

Zur Biografie:

Marwa Arsanios’ Arbeit kreist um strukturelle Fragen. Sie versucht Raum innerhalb von und parallel zu bestehenden Kunststrukturen zu schaffen, der das Experimentieren mit unterschiedlichen Formen der Versammlung ermöglicht – beginnend mit architektonischen Räumen, ihrer Transformation und Anpassungsfähigkeit, bis hin zu von Künstler*innen betriebenen Räumen und temporären Zusammenkünften. In den letzten Jahren widmeten ihr u.a. das Haus für Kunst Uri (2026), die Joan Miro Foundation (2025), das Artium Museum (2025), BAK Utrecht (2024), der Heidelberger Kunstverein (2023), Mosaic Rooms, London (2022) und das Contemporary Arts Center, Cincinnati (2021) Einzelausstellungen. Sie war außerdem an zahlreichen internationalen Gruppenausstellungen beteiligt, wie jüngst der Documenta 15 (2022), der Sydney Biennial (2022), der 11th Berlin Biennale (2020) und der Gwangju Biennial (2018). Ihre Filme werden regelmäßig auch bei internationalen Filmfestivals gezeigt.

Bildrechte: Mariam Mekawi

Am 22. April beginnt in Osnabrück das European Media Art Festival. Ab sofort können sich Film- und Kunstprofessionals hier online akkreditieren.

Mit einer Akkreditierung erhältst du freien Zugang zu allen Filmprogrammen, Ausstellungen, Performances und Vorträgen sowie den Festivalkatalog.

Studierende können sich zu einem ermäßigten Tarif von 20 € akkreditieren.

Für eine kostenlose Presseakkreditierung wende dich bitte an presse@emaf.de.

Die Deadline für Akkreditierungen ist der 17. April.

Wir freuen uns, dich im April zu begrüßen!

Institutionen zielen darauf ab, flüchtige Verhältnisse wie Macht, Arbeit und Privilegien, aber auch Sprache und Emotionen möglichst effizient zu ordnen und diese Ordnung auf Dauer zu stellen. Welchen Nutzen haben sie für wen und auf wessen Kosten? Und unter welchen Bedingungen sind sie bereit, ihre einmal instituierte Ordnung zu verändern? Diese Fragen stellen sich auch im Hinblick auf die Rolle und Verantwortung von Kulturinstitutionen – und zwar nicht erst seit massive Angriffe auf die Freiheit der Kunst auch die Daseinsberechtigung ihrer Institutionen in Zweifel ziehen und die Ungleichheiten und Ausschlüsse in der Kulturszene mit besonderer Deutlichkeit vor Augen führen. Gleichzeitig ist zu vermuten, dass sich in jenen Codes of Conduct, Mission Statements und anderen schriftlichen Selbstverpflichtungen, mit denen immer mehr Kulturinstitutionen an die Öffentlichkeit treten, nicht nur ein zunehmender Druck von außen artikuliert, die eigene Ethik und Programmatik zu vereindeutigen, sondern auch eine innere Verunsicherung der Institutionen selbst. Gibt es ein Außen der Institutionalisierung, oder grundsätzlich andere Codes, Vereinbarungen und Formen der Versammlung, und wie könnten diese für Kunst und Kulturarbeit aussehen?

Im Rahmen des diesjährigen Themenschwerpunkts An Incomplete Assembly wollen wir in Talks, Ausstellungen, Filmprogrammen, Performances und Workshops betrachten, was Institutionen vermögen: welche Aussagen, Haltungen und Handlungen sie ermöglichen, welche sie aber auch übersehen, übergehen oder aktiv unterbinden; wie die Normierung von Sprache, Körpern, Räumen und Zeit bestehende Strukturen verfestigt, und wie künstlerische und nichtkünstlerische Bewegungen diesen normativen Ansprüchen begegnen.

Die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung denkt Institutionen als „performative Ensembles“, als choreografierte Abläufe, als kollektive Gefüge aus Rollen, Rhythmen und stillen Vereinbarungen, die sich lesen, anpassen, stören und improvisieren lassen. Die gezeigten Arbeiten nutzen Bewegung, Musik und gemeinschaftliche Situationen, um diese Ordnungen sichtbar sowie körperlich und zeitlich erfahrbar zu machen. Sie loten jene Räume und Möglichkeiten aus, die dort entstehen, wo Abläufe ins Stocken geraten, Rollen herausgefordert und Codes unterbrochen oder verschoben werden. Dabei zeigen sie, wie institutionelle Systeme Verhalten normieren, Zugehörigkeiten organisieren und zugleich form- und irritierbar bleiben.

Das Filmprogramm zum Thema, kuratiert von Ana Vaz, denkt Film jenseits der Rezeption abgeschlossener Werke. Es untersucht Praktiken, die den Herstellungsprozess nicht als Mittel zum Zweck, sondern als konstitutiven Bestandteil der Werke selbst betrachten. Jenseits von Fragen der Darstellung kommen damit die Bedingungen für die Entstehung bewegter Bilder in den Blick – seien sie filmisch oder performativ. Die Reihe fragt nach der Handlungsmacht ihrer Autor*innen, Beteiligten und Nutzer*innen und stellt Verbindungen her zwischen On- und Offscreen, Bühne und Backstage. Hier wird Film eher zu einer Form der Aufmerksamkeit, der Einstimmung aufeinander und des kollektiven Schaffens, zu einem Mittel für die Erprobung wünschenswerter und widerständiger Zukünfte.

Die von Franziska Pierwoss kuratierten Talks und Workshops befassen sich praxisorientiert mit den alltäglichen Realitäten der Kulturarbeit. Das Programm richtet sich an Filmemacher*innen, Kurator*innen, Organisator*innen und Studierende gleichermaßen und fragt, wie wir arbeiten – vor Ort, im Prozess und in Beziehung zueinander. Während wir gern – und völlig zu Recht – die Kontraproduktivität von Institutionen kritisieren, stellt dieses Programm eine andere Frage: Wie könnten produktive Antworten aussehen – auf Zensur, institutionelle Feigheit und kollektive Erschöpfung? Das Programm wendet sich Praktiken zu, die interventionistisch vorgehen, indem sie digital in den öffentlichen Raum eingreifen oder festgefahrene Hegemonien aufbrechen, und lädt dazu ein, sich innerhalb bestehender Strukturen zu organisieren und diese gleichzeitig herauszufordern.

In ihrer Reihe „What Is Needed“ betrachten Raquel Schefer und Philip Widmann die „Mostra Internacional de Cinema de Intervenção“, ein Festival, das 1976 im postrevolutionären Portugal stattfand. Es war der einzigartige Versuch, unterschiedliche Befreiungs- und Emanzipationsbewegungen miteinander zu verbinden. Das Nebeneinander militanter Filme aus dem Globalen Norden und Süden im Festivalprogramm deutet darauf hin, dass das kritische Potenzial des Kinos im Wesentlichen den Süd–Süd-Netzwerken audiovisueller Unabhängigkeit zu verdanken war. Aus der Perspektive der fünf Jahrzehnte, die seit der Mostra vergangen sind, beleuchtet die Reihe die Widersprüche einer Integration von „Intervention“ in die Institutionen einer postfaschistischen, liberal-demokratischen Gesellschaft, die entgegen aller Behauptungen an westlicher Vorherrschaft festhält. Die Reihe ist eine Kooperation mit Doc’s Kingdom und dem Projekt Paranational Cinema—Legacies & Practices an der Universität Zürich.

Die Kurator*innen:

Franziska Pierwoss arbeitet als Künstlerin mit Performance und Installation. Ihre Projekte untersuchen Lebensmittelsysteme als politische Symbole und Materialien innerhalb sozialer und finanzieller Sphären. Sie hat in Leipzig und Beirut studiert und ihre Arbeiten u.a. auf der Sharjah Biennale, in der nGbK, im Jameel Arts Centre und bei Urbane Künste Ruhr gezeigt.

Raquel Schefer ist Filmemacherin, Filmkuratorin und Associate Professor an der Universität Sorbonne Nouvelle in Paris. Sie ist Mitherausgeberin der Zeitschrift La Furia Umana und ehemalige Programmberaterin für die Festivals IDFA und Encuentros del otro cine (EDOC).

Inga Seidler ist eine in Berlin lebende freie Kuratorin und Projektmanagerin. Sie war Ausstellungskuratorin des transmediale Festivals und leitete das Web Residency Programm der Akademie Schloss Solitude. Seit 2021 kuratiert sie u.a. die Ausstellungen des EMAF.

Ana Vaz ist Künstlerin und Filmemacherin. Ihre Arbeiten befragen Film als Kunst des (Un-)Sichtbaren und Instrument zur Verwandlung der menschlichen Wahrnehmung. Sie beleuchten die tiefgreifenden Widersprüche unserer Zeit und insbesondere die destruktiven Praktiken der kolonialen Moderne.

Philip Widmann ist Researcher, Kurator und Filmemacher und arbeitet derzeit im Projekt „Paranational Cinema – Legacies & Practices” an der Universität Zürich. Er ist Herausgeber von Film Undone – Elements of a Latent Cinema, einer Sammlung von Zugängen zu nicht realisierten und unvollendeten Filmen.

Wir freuen uns auf Ihren Besuch!

Gestern ist unser Call for Entries zu Ende gegangen, und wir sind begeistert über die große Zahl von Arbeiten, die uns in den vergangenen Monaten erreicht haben – vielen Dank für Euer Vertrauen!

Unsere kuratorischen Teams haben bereits mit der Sichtung eurer Einreichungen begonnen und werden daraus ein spannendes Festivalprogramm entwickeln. Wir freuen uns darauf, Euch in den kommenden Monaten über die Vorbereitungen für das 39. EMAF auf dem Laufenden zu halten!

Auf bald!

Die Sichtungen haben begonnen, und wir freuen uns sehr euch die Personen vorzustellen, die in den kommenden Monaten die zahlreichen Filmeinreichungen diskutieren und aus ihnen das Festivalprogramm zusammenstellen werden. Juan David González Monroy, Rita Macedo, Christina Stuhlberger und Clarissa Thieme waren bereits im vergangenen Jahr gemeinsam mit Katrin Mundt für die Programmierung der Kurz- und Langfilme verantwortlich. Neu im Team ist in diesem Jahr Tendai Mutambu, den wir ganz herzlich willkommen heißen!

Wir freuen uns sehr auf die Zusammenarbeit in den kommenden Monaten! Ab Mitte März werden wir die Ergebnisse der Auswahl bekanntgeben.

Die Auswahlkommission 2026

Juan David González Monroy ist ein in Berlin lebender bildender Künstler. Seit 2010 arbeitet er mit Anja Dornieden unter dem Namen OJOBOCA zusammen. Im Mittelpunkt ihrer Arbeit stehen fotochemischer Film und Kino als soziales Ritual. Die Filme, Installationen und Performances von OJOBOCA wurden auf Festivals, in Solo-Screenings und Ausstellungen gezeigt, darunter im Museum of the Moving Image, im ICA London, auf der Berlinale und dem New York Film Festival. Juan arbeitet als Archivar für das Arsenal – Institut für Film und Videokunst, wo er die Reihe Condition Report kuratiert, für die er Filmkopien aus dem Archiv auswählt und vorführt.

Rita Macedo ist Filmemacherin und Künstlerin und lebt in Berlin. Ihre Arbeiten, die international in Ausstellungen und auf Filmfestivals gezeigt werden, bewegen sich zwischen Nichtfiktionalem, spekulativer Erfindung und narrativer Disruption und erforschen die instabilen Terrains von Bedeutung und Erinnerung. Durch eine Praxis, die sich einer vereindeutigenden Interpretation widersetzt, untersucht sie die sich wandelnden Beziehungen zwischen Bild, Wahrnehmung und Zeit. Sie ist Künstlerische Mitarbeiterin an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig.

Tendai Mutambu ist Autor und Kurator. Seine Arbeit konzentriert sich auf zeitgenössische Künstler*innenfilme und Essays, mit einem Schwerpunkt auf Praktiken der schwarzen Diaspora. Zuletzt war er Development Editing Fellow für Logic(s) am INCITE Institute der Columbia University und Associate Producer für Aura Satz’ Preemptive Listening. Er war kuratorisch für Spike Island, LUX Moving Image, das London Film Festival, das Berwick Film and Media Arts Festival (alle in Großbritannien) und Govett-Brewster/Len Lye Centre (Neuseeland) tätig. Er schreibt regelmäßig Beiträge für Ocula, Art Monthly UK und ArtReview.

Christina Stuhlberger ist eine in Wien und Brüssel lebende Künstlerin und Filmemacherin. Sie ist Mitbegründerin von elephy, einem Kollektiv und einer Plattform für Film und audiovisuelle Kunst, und arbeitet als Gastkuratorin für das Courtisane Film Festival in Gent. Neben ihrer künstlerischen Arbeit ist sie Doktorandin an der LUCA School of Arts in Brüssel und unterrichtet im Rahmen des internationalen Masterstudiengangs Doc Nomads im Bereich Dokumentarfilm.

Clarissa Thieme ist Filmemacherin und Künstlerin. Ihre Filme, Installationen und performativen Interventionen konzentrieren sich auf Brüche zwischen individueller Erinnerung und ihrer Übersetzung in Prozesse historischer Objektivierung. Ihre aktuelle Arbeit erforscht ein lebendiges Archiv als neues Gemeingut und Verletzlichkeit als künstlerische Strategie des Widerstands und der Solidarität. Thieme ist Mitbegründerin von ARchipelago, einer ortsspezifischen Archivierungsplattform, und der Open-Archive Initiative Između Nas/Between Us Sarajevo. Sie ist Doktorandin am Artistic Research Center (ARC) an der Wiener Filmakademie (mdw).

Das 39. European Media Art Festival findet vom 22. bis zum 26. April 2026 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird über die Festivallaufzeit hinaus bis zum 25. Mai 2026 zu sehen sein.

Wir sind weiterhin gespannt auf Eure Einreichungen!

Medienkünstler*innen aus der ganzen Welt können ihre Arbeiten jetzt für die Sichtung zum European Media Art Festival 2026 einreichen. Hier geht es direkt zur Online-Plattform.

Die Einreichfrist endet in diesem Jahr bereits am 22. Dezember 2025.

Wir freuen uns über aktuelle Arbeiten aus den Bereichen Film (experimentelle Kurz- und Langfilme), Installation (installative, interaktive, raumbezogene oder skulpturale Medienkunstarbeiten) und Expanded (Performances, Live-Events oder Workshops).

Das Einreichen von Arbeiten ist kostenfrei.

Unser internationales kuratorisches Team wird aus den eingereichten Arbeiten das Programm für das kommende Festival zusammenstellen. Für alle für das Festival ausgewählten Beiträge werden Künstler*innenhonorare gezahlt. Ein Premierenstatus ist nicht notwendig. Näheres zum Einreich- und Auswahlprozess sowie zu technischen Anforderungen sind unserem Reglement zu entnehmen.

Das 39. European Media Art Festival findet vom 22. bis zum 26. April 2026 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird über die Festivallaufzeit hinaus bis zum 25. Mai 2026 zu sehen sein.

Wir sind gespannt auf Eure Einreichungen!

Zum Internationalen Museumstag am 18. Mai führt Ausstellungkuratorin Inga Seidler um 15 Uhr in der Kunsthalle Osnabrück durch die diesjährige EMAF-Ausstellung Witnessing Witnessing. Die Ausstellung zeigt Arbeiten von Agil Abdullayev, Alisa Berger, Karolina Breguła, Doplgenger (Isidora Ilić und Boško Prostran), Hannah Hallermann, Flo Kasearu, Gabriela Löffel und Benedikt Terwiel. Die Teilnahme ist kostenlos.

Außerdem zeigen wir Dimitris Athiridis’ Dokumentarfilm exergue – on documenta 14 (GR 2024, 848 Minuten, Deutsch, Englisch, Griechisch mit englischen Untertiteln). Die letzten vier Teile des insgesamt 14-stündigen Films sind von 13 bis 18 Uhr zu sehen.

exergue – on documenta 14 begleitet den Künstlerischen Leiter Adam Szymczyk und sein kuratorisches Team bei der Arbeit an der weltweit bedeutendsten Kunstausstellung, die 2017 erstmals in Kassel und Athen stattfand. Entstanden ist ein einzigartiger Blick hinter die Kulissen der institutionellen Kunstwelt in einer sich verändernden politischen Landschaft. Die Teile 1 bis 4 sind am 16. Mai von 13 bis 18 Uhr zu sehen, die Teile 5 bis 10 am 17. Mai von 11.30 bis 18 Uhr.

Nach fünf Tagen ist gestern Abend das 38. European Media Art Festival zu Ende gegangen. Mehr als 160 Filme, Installationen, Performances und Talks waren an neun verschiedenen Orten in der Stadt zu sehen und erleben. Einer der Höhepunkte: die Verleihung des EMAF Medienkunstpreises des Verbands der deutschen Filmkritik (VdFk) gestern Vormittag in der Kunsthalle Osnabrück.

Ausgezeichnet wurde Daphné Hérétakis für ihre Arbeit What We Ask of a Statue Is That It Doesn’t Move (GR, FR 2024, 31´).

Der Film beschäftigt sich mit der aktuellen politischen Lage in Griechenland: Nichts scheint sich in Athen zu bewegen, und die Menschen sind still wie Statuen. Doch anderswo in der Stadt flieht eine Karyatide aus dem Museum, und eine Splittergruppe fordert die Zerstörung aller Altertümer. Vielleicht ist das Filmemachen die einzige Möglichkeit, nicht zu Stein zu werden. So die Synopsis.

In der Begründung der Jury - bestehend aus Günter Minas, Bianca Jasmina Rauch und Hannes Wesselkämper - heißt es: „Mit anarchistischem Humor und changierend zwischen Dokumentation und Fiktion folgt die Regisseurin einer (fiktiven) Bürgerinitiative, die die Vergangenheit durchkreuzen, den Parthenon in Athen sprengen und stattdessen Statuen von Menschen unserer Zeit schaffen will. Das Erstarren angesichts der gegenwärtigen politischen Lage wird in neue Bewegung transformiert, jahrhundertealte Traditionen mit diebischer Freude über Bord geworfen. So stellt What we ask of a statue is that it doesn’t move auf kluge Weise die Frage in den filmischen Raum: Welche Überreste von uns würde die Archäologie der Zukunft vorfinden?”

Ausdrücklich lobend erwähnt hat die Jury den Film Tila•pia von Crispin Yanisi, der “mit dem titelgebenden Fisch in einen ästhetischen Dialog tritt: Sein Schicksal vom Netz bis auf den Teller verhandelt dabei das Thema der Interkulturalität in ausgewogen komponierten Bildern und einem fundierten künstlerischen Zugang”, so die Jury.

Beide Filme waren zuvor in der Internationalen Auswahl zu sehen. Erstmals in diesem Jahr werden alle der 31 dort gezeigten Arbeiten mit dem EMAF Award ausgezeichnet. Die bisher vergebenen Preisgelder werden in gleichen Teilen an die ausgewählten Künstler*innen vergeben. Die Preisträger*innen sind:

Lawrence Abu Hamdan, Ben Balcom, George Clark, Theo Cuthand, Chloë Delanghe& Mattijs Driesen, Sam Drake, Eitan Efrat & Sirah Foighel Brutmann, Zachary Epcar, Kevin Jerome Everson, Laurence Favre, Maïder Fortuné, Daphné Hérétakis, Mina Heydari-Waite, Hyejin Jung, Ferney Iyokina Gittoma, Pranami Koch, Mónica Martins Nunes, Ella McConnell, Monica Panzarino, Franca Pape, Kanthy Peng, Martyna Ratnik, Jazmin Rojas Forero, Sylvia Schedelbauer, Silke Schönfeld, Lina Selander, Jonathan Seungjoon Lee, Micah Weber, Helena Wittmann, Crispin Yanisi und Else/Xun Zhang

Weitere Informationen zu den Filmen finden Sie hier.

Allein am Abend der Eröffnung hat die Kunsthalle Osnabrück fast 1.000 Besucher*innen gezählt. Wir freuen uns über die vielen Gäste, die das EMAF zum ersten Mal besucht haben, sowie über all diejenigen, die uns schon seit Jahrzehnten die Treue halten – vielen lieben Dank! Ein großes Dankeschön geht auch an alle Unterstützer*innen, Kooperations-, Kultur- und Medienpartner*innen (mehr Infos zu ihnen gibt es hier) sowie an alle Helfer*innen!

Die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung “Witnessing Witnessing” in der Kunsthalle Osnabrück ist noch bis zum 25. Mai zu den regulären Öffnungszeiten der Kunsthalle zu sehen. Führungen finden jeden Sonntag um 16 Uhr statt und können außerdem über presse@emaf.de gebucht werden.

Wir bedanken uns für Euer Interesse und freuen uns auf ein Wiedersehen im kommenden Jahr! Das 39. European Media Art Festival findet vom 22. bis 26. April 2026 statt.

Viele Grüße vom Team des EMAF 2025!

Picture Copyright: Angela von Brill

In der Internationalen Auswahl werden - oft erstmals in Deutschland - Arbeiten renommierter wie junger Künstler*innen aus aller Welt gezeigt. Ein zentrales Motiv ist das Wiederaufsuchen von persönlichen und politischen Geschichten im direkten Gespräch, aber auch in der Begegnung mit Orten und Landschaften. Einige Künstler*innen spielen mit filmischen Genres, vor allem mit Elementen von Horror und Suspense, was auch mit ihrem Unbehagen an der Gegenwart zu tun haben mag. Die mehr oder weniger gezähmte Natur - der Garten, der Park, der Urwald - taucht dabei immer wieder auf als historischer Schauplatz, persönlicher Ankerpunkt oder utopischer Entwurf für ein anderes Zusammenleben. Im Programm „A Deflected Signal“ morgen um 11 Uhr in der Lagerhalle sind folgende Filme zu sehen:

Dreams Of My Father, Jonathan Seungjoon Lee, KR, AR, NL 2024, 15’

Colorful Colorado Nails, Monica Panzarino, US 2024, 6’

Dreams of Sunlight Through Trees, Theo Cuthand, CA 2024, 15’

she’s waiting for the sunset, Martyna Ratnik, LT 2024, 8’

母の手紙 / Mother’s Letter, Sylvia Schedelbauer, DE 2025, 24’

Im Anschluss an die Vorführung findet ein Q&A mit den anwesenden Filmemacher*innen statt (in englischer Sprache).

Im April 2024 berichteten Nahed Samour und Pary El-Qalqili beim EMAF über die Repression und das Silencing von Stimmen in Deutschland, die sich mit Palästina solidarisch zeigen. Ein Jahr später wirft Samour einen Blick auf den aktuellen Stand der Dinge: Wie lässt sich der gegenwärtige gesellschaftliche Zustand bezeichnen? Ist er bereits permanent geworden? Gemeinsam mit Anita Di Bianco und Natascha Sadr Haghighian diskutiert Nahed Samour morgen um 13 Uhr in der Kunsthalle im Talk I could swear my face was touching stone: Continuities. In ihrem fortlaufenden Projekt Corrections and Clarifications trägt Anita Di Bianco fortlaufendes Projekt Corrections and Clarifications, seit dem 1. September 2001 die täglich in Printmedien erscheinenden Widerrufe, Neuformulierungen, Differenzierungen und Entschuldigungen zusammenträgt. Indem sie von der Gegenwart aus in der Chronologie zurückgeht, zeigt Di Bianco, dass die Vorstellung von historischen Brüchen selbst Teil der Fehldarstellung und Verzerrung ist. Natascha Sadr Haghighians Essay Was ich noch nicht erkenne, jetzt in diesem Moment untersucht vorsätzliche Ignoranz als Teil von strukturellem Rassismus und Gewalt in Deutschland. Wie kann man jene Einstellungen verlernen, die die eigene Wahrnehmung prägen und vernebeln, um Resonanzen mit dem Wissen und den Erfahrungen von migrantischen Communities zu ermöglichen? In einer kollektiven Lesung intervenieren Stimmen in das Schweigen und die Leerstellen. Sie bezeugen Kontinuitäten der Verleugnung und eröffnen einen Austausch über die Schwierigkeiten des Sprechens und der Fürsprache sowie über Akte der Verweigerung in einer sozialen Landschaft des vorauseilenden Gehorsams.

Aus dem Bereich der Langfilme empfehlen wir morgen die Deutschlandpremiere von Yrupẽ (ES 2025, 79´) von Candela Sotos – im spanischen Original mit englischen Untertiteln.
Die Suche nach „Die Irupé-Blume“, einem verschollenen Film von Guillermo Fernández-Zúñiga – einem spanischen Pionier des Wissenschaftsfilms, der nach dem Spanischen Bürgerkrieg ins argentinische Exil ging – wird zum Auslöser für eine Reise durch Familiengeschichten und Nationalarchive. Während wir das langsame Wachstum der Yrupé in einem Aquarium auf einem Parkplatz einer Kunsthochschule in Buenos Aires verfolgen, treten nach und nach Schichtungen von Bildern und Leerstellen zutage. Im Anschluss an die Vorführung findet ein Q&A mit der Filmemacherin statt (in englischer Sprache). Los geht´s morgen um 17 Uhr im Filmtheater Hasetor.

Auch wenn mit der Internationalen Auswahl bereits 31 Arbeiten als EMAF-Preisträger*innen ausgezeichnet wurden – am Sonntag feiern wir die Preisverleihung des Verbands der deutschen Filmkritik – um 11 Uhr in der Kunsthalle Osnabrück. Die Juror*innen des Verbands der deutschen Filmkritik (VdFk), Günter Minas, Bianca Jasmina Rauch und Hannes Wesselkämper, diskutieren die Filme der Internationalen Auswahl und vergeben im Anschluss den EMAF Medienkunstpreis des Verbands der deutschen Filmkritik. Nach der Vorführung des Preisträgerfilms laden wir alle Anwesenden ganz herzlich zu einem Umtrunk und Snacks ein.

Wer möchte, kann danach gleich in der Kunsthalle Osnabrück bleiben und sich von unseren Vermittler*innen durch die Ausstellung führen lassen. Übermorgen um 16 Uhr ist die letzte Chance während des Festivals. Morgen gibt es noch um 12, 16 und 18 Uhr öffentliche Führungen. Aber auch nach dem Festival gibt es jeden Sonntag um 16 Uhr eine öffentliche Führung – bis zum Ende der Ausstellungszeit am 25. Mai. Gruppen können sich per e-mail an presse@emaf.de für eine Führung anmelden. Für Schulklassen gibt es besondere Angebote und Konditionen.

Ein weiteres Highlight zum Ende des Festivals bietet am Sonntag um 18 Uhr in der Lagerhalle der Langfilm Macumba (BRD 1982, 88´) von Elfi Mikesch. Der Film erzählt die Geschichte von Magda, die mit ihren Freund*innen in einem Berliner Haus lebt, dessen Tage gezählt sind. Alle folgen auf ihre Weise bestimmten Obsessionen. Ein gewisses Delirium macht den Alltag zum Traumgeschehen, zur tranceartigen Bewegung in eine ungewisse Zukunft. Max Taurus, schnüfflerisch begabt und sich selbst als „Detektiv“ bezeichnend, folgt einer Spur, die ihn ausgerechnet in dieses Abrisshaus führt, in dem er meint, einen Mord verhindern zu können. Dabei gerät er in eine labyrinthische Geschichte, aus der er sich nicht mehr zu befreien vermag. Das Krachen der Abrissbirne zum Klang von Silvestre Revueltas’ Musik wird zum Abgesang auf ein Lebensgefühl, das sich aus den 1960er Jahren speist.

Im Anschluss an die Vorführung findet ein Q&A mit der Filmemacherin statt (in deutscher Sprache).

Das komplette Festivalprogramm findet Ihr hier.

Wir wünschen Euch ein sonniges Wochenende beim EMAF in Osnabrück und freuen uns auf eine tolle zweite Hälfte des Festivals!

Wow! Wir freuen uns über die zahlreichen Besucher*innen, die gestern Abend bei der Eröffnung des 38. European Media Art Festivals in der Kunsthalle Osnabrück dabei waren. Es war ein toller Abend und wir bedanken uns für Euer Interesse, und für die vielen wertschätzenden Worte. Während für Juliane Schickedanz (Leitung Kunsthalle Osnabrück) mit den EMAF-Flaggen der Frühling beginnt, wehte Oberbürgermeisterin Katharina Pötter vom Ladenlokal in der Bierstaße 13 das EMAF-Flair quasi bis ins Rathaus. “Das EMAF ist kein klassisches Filmfestival, bei dem Lang- oder Kurzfilme gezeigt werden”, so der scheidende Staatssekretär Dr. Jörg Mielke. “Sondern das EMAF ist ein Filmfestival, wo wir einen ganz starken Übergang haben vom filmischen Ausdruck zu einer künstlerischen Ausdrucksform mit Installationen und Produktionen, wie wir sie sonst nicht finden.”

Vier Tage lang sind nun mehr als 160 Filme, Installationen, Performances und Talks zu sehen – an neun verschiedenen Orten in der Stadt. Wie wäre es zum Beispiel mit einem Besuch der Programme unserer Gäste von den Klassen der Kunsthochschulen Szczecin und Helsinki? Beide sind heute um 13 Uhr bzw. um 19 Uhr zu sehen.

Der Alltag von sechs Filmemacher*innen, Studierenden der Kunstakademie Szczecin, spielt sich vor dem Hintergrund wachsender Unruhen, sozialer Spannungen, dramatischer politischer Krisen und Kriege, im Bewusstsein einer irreversibel voranschreitenden Klimakatastrophe und der zunehmenden Verbreitung psychischer Probleme ab. Täglich treffen neue Nachrichten ein – sowohl aus dem eigenen Land als auch aus der übrigen Welt –, die oft direkte Auswirkungen auf das Leben der jungen Menschen haben. Der Kurzfilm It Will Be a Very Difficult Conversation erzählt in sechs Kapiteln die persönlichen Geschichten der sechs Filmemacher*innen und thematisiert dabei teils schwierige, oft auch unangenehme, aber zugleich äußerst wichtige Probleme. Um 13 Uhr in der Lagerhalle.

Die Arbeit Ensemble der Studierenden der Kunsthochschule Helsinki kombiniert Film mit einer Live-Performance, und: einem Brief aus der Vergangenheit: „Wenn du an Räume und Bilder denkst, hast du vielleicht bestimmte Erwartungen: Wie passt das Bild in den Raum? Wie werde ich selbst hineinpassen? Unser Raum wird zeitlich und örtlich in Bewegung sein“, heißt es darin. Und weiter: „Wir möchten nicht, dass du weißt, wo der nächste Akt beginnt. Gibt es eine lineare Abfolge oder einfach nur eine Ansammlung von Anfängen und Enden? Hat der Raum ein Ende oder beginnt etwas Neues? Manchmal öffnen sich die Portale für alle gemeinsam, und manchmal sind da Erfahrungen, die nur für eine einzelne Person gedacht sind. Wir begleiten dich durch Projektionen oder Stimmen, die um dich herum auftauchen.“ Heute, um 19 Uhr, im Haus der Jugend.

In der Internationalen Auswahl erwartet Euch heute Abend um 22 Uhr 30 in der Lagerhalle das Programm An Ear-Splitting Blur – mit Filmen von Sam Drake und Lawrence Abu Hamdan.

Fragmentierte Aufzeichnungen enthüllen in Suspicions About the Hidden Realities of Air (US 2025) von Sam Drake eine verborgene Geschichte von Strahlungsexperimenten am Menschen aus der Zeit des Kalten Krieges, die durch einen Dunst von Manipulationen und eingebetteten Studien an die Oberfläche tritt. Wüstenstaub setzt sich in den Zähnen fest und hinterlässt eine Spur. Verseuchte Bilder beschwören das Unsichtbare herauf.

The Diary of a Sky (LB 2024) von Lawrence Abu Hamdan entfaltet eine atmosphärische Sinfonie der Gewalt über Beirut, in der die unaufhörlichen Bewegungen israelischer Militärflugzeuge und das Brummen von Generatoren bei Stromausfällen auf eindringliche Weise miteinander verschmelzen. Dieser 45-minütige Videoessay lässt die Zuschauer*innen in eine beängstigende Chronik des Alltags eintauchen, in dem der Luftraum zur Waffe und durch den Terror der wiederholten Angriffe zu einer beunruhigend banalen Kulisse wird.

New Red Order – unsere Artists in Focus – zeigen morgen um 13 Uhr in der Lagerhalle ihr drittes Programm. A I O U (US 2019) erzählt von einer fernen Zukunft. Von einer kosmischen Einrichtung unbekannter Herkunft. An diesem Ort wird die Schuld für die Auslöschung eines Lebens endlich eingelöst: durch Wiederauferstehung. Nosferasta: First Bite (US, PR, GB 2021) erzählt, fünf Jahrhunderte kolonialer Zerstörung umspannend, die Geschichte von Oba, einem Rastafari-Vampir, und Christoph Columbus, dessen Biss ihn ursprünglich zum Vampir gemacht hat. Gemeinsam verbreiten sie die koloniale Epidemie in der gesamten „Neuen Welt“. Formal ist Nosferasta ein Vampirfilm und eine Reihe von Installationen. Im Stil impressionistisch, thematisieren sie die Schuld, die aus der Verstrickung in koloniale Eroberungen resultiert, wobei sie anerkennen, wie schwierig es ist, das Erbe von Jahrhunderten der vampirischen Indoktrination abzuschütteln. Im Mittelpunkt steht die Frage: Wie kann man dekolonisieren, was man im Blut hat? In Give it Back: Crimes Against Realty (US 2024) geht es um die Besichtigung einer vorgeblich restituierten Wohnung. Unter der Führung von Jim Fletcher, einem geläuterten Native American-Imitator, der auch ein häufiger Partner von New Red Order ist, werden reale Personen vorgeführt, die an der freiwilligen Rückgabe von Land an indigene Völker, Organisationen und Stämme beteiligt sind. Der Film ist Teil der fortlaufenden Recherchen von New Red Order zum Thema Rückgabe von Land durch Siedler*innen an indigene Völker, eine in den letzten zehn Jahren häufiger gewordene Praxis.

Auch in diesem Jahr wird das Kollektiv LaborBerlin im Rahmen von SPECTRAL die Vielfalt der analogen Filmpraxis vorstellen. Ein zentrales Werk der diesjährigen Präsentation ist die Wiederaufführung einer Multiprojektionsperformance, die Takahiko Iimura, ein Pionier des Expanded Cinema in Japan, gemeinsam mit dem Komponisten Alvin Lucier entwickelt hat. Dank der Zusammenarbeit von LaborBerlin mit den Forscher*innen von Collaborative Cataloging Japan wird die Performance erstmals seit den 1960er Jahren wieder live und analog zu sehen sein. Morgen um 19 Uhr, im Haus der Jugend.

Das komplette Festivalprogramm findet Ihr hier.

Wir freuen uns auf Euren Besuch!

Picture Copyright: Kerstin Hehmann

In diesem Jahr sind Studierende der Kunsthochschulen aus Helsinki, Szczecin und Braunschweig sowie der Universität und Hochschule Osnabrück beim EMAF zu Gast und bespielen mit Ausstellungen, Filmprogrammen und Performances die Festivalkinos und ausgewählte Orte in der Osnabrücker Innenstadt.

Die Ausstellung der HBK Braunschweig präsentiert Arbeiten von Studierenden der Freien Kunst und Kunstpädagogik. Filme, Videos, Skulpturen, Performances und Installationen erörtern die Verbindungen zwischen individuellen Erfahrungen und gesellschaftlichen sowie politischen Zusammenhängen. Dabei geht es um verschiedene Perspektiven auf Fragen der Zeug*innenschaft.

It Will Be a Very Difficult Conversation ist ein Kurzfilm von Studierenden der Kunstakademie Szczecin, der auszudrücken versucht, wofür im Alltag die Worte fehlen: Wie begegnen wir Konflikten in unserer unmittelbaren Umgebung? Wie kann ich kritische Kunst produzieren, die vielleicht meine Nächsten beeinträchtigt? Wie gehe ich damit um, wenn ein Krieg die Community spaltet, aus der ich stamme?

In ihrem Film- und Performancevent Ensemble machen Studierende der Kunstakademie Helsinki grundsätzliche Fragen der gemeinsamen Erfahrung von Bildern und Räumen zum Thema. Für eine begrenzte Zeit öffnen sich Türen — zu einem Zuhause, zum Meer oder zu jemandes Haut. Stimmen, Soundscapes und das Licht der Projektoren führen das Publikum in den Raum und die Zeit ihrer Imagination.

Das Institut Kunst/Kunstpädagogik der Universität Osnabrück beteiligt sich mit Arbeiten, die in Zusammenarbeit mit verschiedenen Künstler*innen entstanden sind. Sie wollen die menschlichen Grenzen bei der Verarbeitung von Informationen und der psychologischen sowie gesellschaftlichen Auswirkungen von Fehlinformationen und Informationsüberflutung bewusst machen.

Studierende des Medienlabors der Hochschule Osnabrück präsentieren Projekte, die sich mit den Mitteln von Virtual Reality, Al oder Physical Computing mit den Strategien politischer Manipulation, der Modellierung und taktilen Erforschung von Landschaften und neuen Formen der spielerischen Interaktion auseinandersetzen.

In der Behörde für Alltagszeugnisse der Musik- und Kunstschule Osnabrück werden persönliche Zeugnisse der Bürger*innen von den Mitarbeitenden systematisch administriert, geordnet und verwaltet. Persönliche Alltagszeugnisse wie Notizzettel, Kassenbons oder Kontaktlinsenschalen können von Bürger*innen im zuständigen Büro abgegeben werden.

Bilder zu den einzelnen Beiträgen sowie weitere Informationen stellen wir Ihnen gern zur Verfügung. Bei Interesse wenden Sie sich bitte an presse@emaf.de. Wir laden Sie herzlich ein, über das Festival zu berichten. Für Presse-vertreter*innen entfällt die Akkreditierungsgebühr - auch dazu wenden Sie sich gern an presse@emaf.de, auch wegen vergünstigter Hotelkonditionen.

Akkreditierungen sind noch bis einschließlich kommenden Freitag, 18. April, möglich.

Mit besten Grüßen vom Team des EMAF

Picture Copyright: Tom Brück

Wenn Zeug*innen von Gewalt und Ungerechtigkeit ungehört bleiben, wo wird das, was passiert, registriert, wo wird es aufgehoben? Wie kann das, was bezeugt wurde, Geschichten schreiben, die noch nicht geschrieben wurden und die Macht eines systemischen Unwissens brechen, das gesellschaftliche Privilegien sichert? Mit diesen Fragen setzen sich in diesem Jahr die Talks des European Media Art Festival auseinander. Heute wollen wir Euch das Programm vorstellen.

Zeug*innenschaft ist selbst verstrickt in epistemische Gewalt: Ich sehe nur, was ich kenne, erkenne, zu erkennen gelernt habe. Ausgehend vom NSU-Komplex beschreibt Natascha Sadr Haghighian in Was ich noch nicht erkenne, jetzt in diesem Moment (2023) kollektive Ignoranz als Grundlage von strukturellem Rassismus und stellt dieser die Selbstbehauptung migrantisch situierter Erfahrung und Erinnerung entgegen. Der Titel der diesjährigen Talks I could swear my face was touching stone greift die affektiven Aspekte des Bezeugens auf. Er ist der Gedichtsammlung Land to Light On (1997) der kanadischen Schriftstellerin Dionne Brand entliehen. Brand hat sich in ihrer Poesie immer wieder mit der Frage des Bezeugens beschäftigt, mit der Lücke zwischen dem, was angetan, und dem, was davon berichtet wurde. Vor diesem Hintergrund widmen sich die vier Veranstaltungen, in denen die Beitragenden Kurzvorträge, Gespräche, Lesungen und Filme miteinander verknüpfen, den transhistorischen Dimensionen von Zeug*innenschaft sowie körperlichen und sensorischen Formen des Wissens.

Kuratiert und moderiert werden die Talks von Natascha Sadr Haghighian, Marc Siegel, Philip Widmann und Florian Wüst.


Technologies

Die Filmwissenschaftlerinnen Anaïs Farine (Beirut) und Irit Neidhardt (Berlin) befassen sich mit den wechselnden Kontexten von Bildern und Tönen aus und über Palästina. Sie diskutieren, inwiefern eine durch Film institutionalisierte Solidarität mit der palästinensischen Sache in Deutschland heute weitgehend verschwunden ist, und identifizieren aktuelle künstlerische und kuratorische Interventionen in einem Feld, in dem Technologien des Sichtbarmachens leicht den gegenteiligen Effekt haben können. Das Gespräch wird ergänzt durch eine breite Auswahl an audiovisuellem Material – von Filmen westdeutscher Filmcrews, die im Auftrag der PLO gedreht wurden, über aktuelle Experimentalfilme, die Found Footage aus dem kolonisierten Palästina des frühen 20. Jahrhunderts verwenden, bis hin zu der 2024 in Gaza entstandenen Kurzfilmkompilation From Ground Zero.

Magic

Die Stimmen der Unterdrückten werden für uns oft erst hörbar, wenn wir uns in herrschaftsfreies Terrain begeben, charakterisiert durch magische Störungen und nicht erwartbare Fantasien. Die Autorin und Philologin Sanabel Abdel Rahman (Tunis) und der Künstler und Forscher Ashkan Sepahvand (London) sprechen über Zeug*innen, die die koloniale Wirklichkeit durch Magie und Geschichtenerzählen aufbrechen. Abdel Rahman diskutiert Aspekte ihrer Forschungen zu magischem Realismus und Spuk als Elemente des palästinensischen Widerstands, während Sepahvand sich Figuren der Alterität widmet, die im Kontext des geopolitischen Niedergangs im modernen Iran entstehen.

Continuities

Im April 2024 berichteten die Rechts- und Islamwissenschaftlerin Nahed Samour und die Künstlerin Pary El-Qalqili beim EMAF über die Repression und das Silencing von Stimmen in Deutschland, die sich mit Palästina solidarisch zeigen. Ein Jahr später wirft Nahed Samour (Berlin) einen Blick auf den aktuellen Stand der Dinge: Wie lässt sich der gegenwärtige gesellschaftliche Zustand bezeichnen? Ist er bereits permanent geworden? Eine andere Form von Chronik ist das fortlaufende Projekt Corrections and Clarifications der Künstlerin Anita Di Bianco (Frankfurt am Main), in dem sie seit dem 1. September 2001 die täglich in Printmedien erscheinenden Widerrufe, Neuformulierungen, Differenzierungen und Entschuldigungen zusammenträgt. Di Bianco zeigt, dass die Vorstellung von historischen Brüchen selbst Teil der Fehldarstellung und Verzerrung ist.

Bodies

Der Autor und Kurator José B. Segebre (Berlin) reflektiert die Ästhetik des Wartens in der queeren, feministischen, schwarzen und dekolonialen künstlerischen Praxis. Im Mittelpunkt steht das Warten als eine zentrale Dimension des sumud (Standhaftigkeit), einer Praxis des Widerstands, die den palästinensischen Alltag innerhalb und außerhalb des historischen Palästina prägt. Ashkan Sepahvand spricht über Performances und Rituale um Tod und Sterben im Kontext der AIDS-Pandemie. Er nimmt dabei sowohl die historische Weitergabe von Wissen zwischen queeren Tänzer*innen und Choreograf*innen in den Blick als auch das Theater von Regisseur Reza Abdoh, der sich in seiner Arbeit auf die iranisch-islamische Performance-Tradition der ta’ziyeh bezieht.

Film- und Kunstprofessionals können sich noch bis zum 18. April hier für den Besuch des Festivals anmelden.

Wir freuen uns auf Euren Besuch!

Picture Copyright: Anaïs Farine und Irit Neidhardt

Wir freuen uns, Euch ab sofort unser Programm präsentieren zu können! Dazu gehören die Filmprogramme zum Thema, die Internationale Auswahl, die Langfilm-Sektion, die Programme zum Artist in Focus und EMAF Extended genauso wie die Ausstellungen, zahlreiche Live-Performances, Lectures, musikalische Livesets und Partys mit Gästen aus aller Welt. Alle Infos findet Ihr ab sofort hier und in den kommenden Wochen auf unseren social media-Kanälen! Wir freuen uns auf Euren Besuch! Akkreditierungen sind hier noch bis zum 18. April möglich.

31 Kurzfilme sind in diesem Jahr in der Internationalen Auswahl  des 38. European Media Art Festivals in Osnabrück zu sehen. Gezeigt werden Arbeiten renommierter wie junger Künstler*innen aus aller Welt – zum großen Teil erstmals in Deutschland. In der Langfilm-Sektion treten neun aktuelle und historische Langfilme in Dialog. In vielen dieser Filme begegnen wir Gesten des Aufbegehrens und Widerstands gegen andauerndes Unrecht und soziale Ungleichheit. Künstler*innen spielen mit filmischen Genres, vor allem mit Elementen von Horror und Suspense, was auch mit einem Unbehagen an der Gegenwart zu tun haben mag. Ein weiteres zentrales Motiv ist das Wiederaufsuchen von persönlichen und politischen Geschichten im direkten Gespräch, aber auch in der Begegnung mit Orten und Landschaften. Die mehr oder weniger gezähmte Natur – der Garten, der Park, der Urwald – taucht dabei immer wieder auf als historischer Schauplatz, persönlicher Ankerpunkt oder utopischer Entwurf für ein anderes Zusammenleben.

Wir möchten Euch im Folgenden einige erste Eindrücke vom Programm vermitteln.

Internationale Auswahl

Mónica Martins Nunes‘ gemeinsam mit Deniz Şimşek realisierter Film Variations on How to Farm a City (2024) begleitet Gärtner*innen, die auf Brachen, zwischen Verkehr und immerwährenden Baustellen dem Herandrängen der Stadt eine andere Form von Zeit und Zusammenleben entgegensetzen: Pflanzen, Ernten, Essen und Reden als sich täglich erneuernde Gesten, dass man zu bleiben gedenkt. Das urbane Umfeld, in dem sich Zachary Epcars Sinking Feeling (2024) abspielt, sind die abstrakten Fluchten und spiegelnden Verzerrungen US-amerikanischer Büroarchitekturen, bevölkert von den Körpern und Stimmen dreier Personen. Die Erinnerung an einen Zwischenfall in einem Tunnel wird zum Auslöser für Tagträume und Phantasien von Kontrollverlust, Verausgabung und Verbindung.

Ein ständiges Summen in ihrem rechten Ohr wird für Jung Hyejin zum Auslöser für eine filmische Auseinandersetzung mit dem schmalen Grat, der Klang von Lärm trennt. In Noise: Unwanted Sound (2024) verbindet sie medizinische Untersuchung und gesellschaftliche Reflexion, Soundscapes und persönlich-poetische Selbsterkundung, um zu zeigen, wie die Stimmen marginalisierter Menschen als Lärm stigmatisiert und als solche unterdrückt werden. Sylvia Schedelbauers Mother’s Letter (2025) ist der Versuch einer Annäherung der Filmemacherin an ihre Mutter. In Form eines Briefs wendet sich die Mutter an ihre Tochter, die mit Bildmaterial aus dem Familienarchiv antwortet und kommentiert. Aus dem Hin und Her der klassischen Briefform wird hier ein intimes Nebeneinander, das Konflikte und Nähe erahnen, und Raum für Fragen lässt, die offen bleiben.

Die vollständige Liste der Filme in der Internationalen Auswahl findet Ihr hier.

Alle 31 Filme sind gleichberechtigte Preisträger des EMAF Award. Das bisher an Einzelwerke vergebene Preisgeld wird unter allen ausgewählten Filmen aufgeteilt. Eine Jury des Verbands der deutschen Filmkritik (VDFK) wird weiterhin den Medienkunstpreis des VDFK im Rahmen des EMAF vergeben.

Langfilme

In Candela Sotos’ Film Yrupẽ (2025) verwebt sich die Suche nach einem verschollenen Wissenschaftsfilm von Guillermo Fernández-Zúñiga mit dem Eintauchen in Familiengeschichten und National-archive. Während wir das langsame Wachstum einer Yrupẽ-Pflanze in einem Aquarium verfolgen, tauchen nach und nach Bilder und Stimmen auf, die eine Geschichte des Schweigens, der Ver-schleierung und der Zensur belegen. Im Sommer 1982 marschierte die israelische Armee in Beirut ein und plünderte das Archiv des Palestine Research Center. Es enthielt neben zahllosen historischen Dokumenten über Palästina auch eine Sammlung von Fotos und Bewegtbildern, die das israelische Verteidigungsministerium an sich brachte. In A Fidai Film (2024) eignet sich Kamal Aljafari diese Bilder wieder an und verknüpft sie zu einer Gegenerzählung, die aus dem Verlust eine über Jahrzehnte unterdrückte palästinensische Geschichte rekonstruiert.

The Soldier’s Lagoon (2024) von Pablo Álvarez Mesa begibt sich auf die Spuren von Simon Bolívars Kampf für die Befreiung Kolumbiens im Jahr 1819. Der Weg führt in die neblige Andenregion des Páramo, eine ökologisch komplexe Landschaft, in die Jahrhunderte von Gewalt und Trauma eingelagert sind. Aus filmischen Beobachtungen und Gesprächen mit Menschen vor Ort entsteht eine vielschichtige Reflexion über die Konstruktion von Geschichte und ihr Verhältnis zum Land. Mit Das falsche Wort entstand 1987 ein eindringliches Zeugnis für die systematische Vernichtung der deutschen Sinti durch die Nationalsozialisten. Katrin Seybold und Melanie Spitta, selbst Tochter einer Überlebenden, rekonstruieren anhand von unveröffentlichten Polizeiakten, Fotos und Dokumenten von Rassenforscher*innen sowie Erinnerungen der wenigen Überlebenden der Lager nicht nur den Völkermord selbst, sondern auch die Haltung einer Gesellschaft, die das Recht auf Wiedergutmachung ignoriert.

Die vollständige Liste der ausgewählten Langfilme findet Ihr hier.

EMAF Extended

Nach Abschluss des Festivals wird neben der EMAF Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück auch der Dokumentarfilm exergue – on documenta 14 (2024) von Dimitris Athiridis zu sehen sein. Der Film begleitet den Künstlerischen Leiter der documenta 14 Adam Szymczyk und sein kuratorisches Team bei der Planung und Umsetzung einer der weltweit wichtigsten Ausstellungen zeitgenössischer Kunst, die 2017 erstmals in Kassel und Athen stattfand. Diese Entscheidung löste schon im Vorfeld Kontroversen aus und führte zu einem Budgetdefizit und anschließendem Medienskandal. exergue bietet in 14 Kapiteln einen einzigartigen Blick hinter die Kulissen zeitgenössischer Kunstproduktion: das Spannungsfeld zwischen kuratorischer Arbeit und institutionellen Strukturen, lokaler Förderung und globalem Kunstmarkt, die Rolle zeitgenössischer Kunst in einer sich verändernden politischen Landschaft.

SPECTRAL

Auch in diesem Jahr wird das Kollektiv LaborBerlin im Rahmen von SPECTRAL die Vielfalt der analogen Filmpraxis vorstellen. Ein zentrales Werk der diesjährigen Präsentation ist die Wiederaufführung einer Multiprojektionsperformance, die Takahiko Iimura, ein Pionier des Expanded Cinema in Japan, gemeinsam mit dem Komponisten Alvin Lucier entwickelt hat. Dank der Zusammenarbeit von LaborBerlin mit den Forscher*innen von Collaborative Cataloging Japan wird die Performance erstmals seit den 1960er Jahren wieder live und analog zu sehen sein. Außerdem werden unter dem Titel S.P.A.C.E. EXPANDED performative und installative Expanded-Cinema-Arbeiten präsentiert, die in den letzten drei Jahren im Rahmen eines Residenzprogramms entstanden sind. Sie alle aktivieren den Projektionsraum auf besondere Weise und verwandeln ihn in einen Ort gemeinsamer Erfahrung.

Weiterhin können sich Film- und Kunstprofessionals für den Besuch des Festivals anmelden. Die Akkreditierung berechtigt zum freien Eintritt in alle Filmprogramme, die Ausstellungen, Performances, Talks und den EMAF Campus. Akkreditierungsschluss ist der 18. April.

Wir freuen uns auf Euren Besuch und senden herzliche Grüße vom Team des EMAF 2025!

Picture Copyright: Sylvia Schedelbauer

In sieben Wochen beginnt in Osnabrück das 38. European Media Art Festival. Die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung des EMAF 2025 in der Kunsthalle Osnabrück widmet sich dem Festivalthema Witnessing Witnessing und erforscht Zeug*innenschaft als aktive und performative Praxis, die über die bloße Dokumentation von Ereignissen hinausgeht. Die versammelten internationalen Künstler*innen nutzen digitale Medien, Video, VR,3-D Scans, Skulptur, forensische Methoden oder Reenactment, um Zeug*innenschaft als moralischen, politischen und emotionalen Akt zu beleuchten. In ihren Installationen hinterfragen sie die Authentizität und Wahrheit von Medienproduktionen sowie die damit verbundenen Machtverhältnisse. Die Besucher*innen der Ausstellungsind eingeladen, Verbindungen herzustellen und sich kritisch mit den präsentierten Informationen auseinanderzusetzen. Gezeigt werden Arbeiten von Agil Abdullayev, Alisa Berger, Karolina Breguła, Doplgenger (Isidora Ilić und Boško Prostran), Hannah Hallermann, Flo Kasearu, Gabriela Löffel und Benedikt Terwiel. Drei von ihnen wollen wir Euch hier exemplarisch vorstellen:

Bei der Videoinstallation Illustrating the Request for Privacy der Künstlerin Flo Kasearu handelt es sich um eine dokumentierte Performance, die gemeinsam mit einer Gruppe von Frauen entwickelt wurde, die die Unterstützung des Pärnu Women’s Shelter (Pärnu Frauenhaus) nutzen. Jede fünfte Frau in Estland hat in ihrem Leben körperliche Gewalt erlebt, und jede zehnte hat auch sexuelle Gewalt erfahren. Dies sind die offiziellen Zahlen, die tatsächlichen Zahlen liegen mit hoher Wahrscheinlichkeit weitaus höher. Kasearu organisierte im NO99 Theater in Tallinn eine Performance mit den Frauen aus dem Pärnu Women’s Shelter. Über einen Zeitraum von zwei Stunden lasen die Frauen, die gemeinsam mit dem Publikum in einer den Gerichtsräumen nachempfunden Kulisse saßen, Passagen aus den Aktenihrer eigenen Gerichtsverfahren vor. In schwarz/weiß gedreht, konzentriert sich Illustrating the Request for Privacy ausschließlich darauf, wie die Frauen diese künstliche bürokratische Sprache vorlesen, die völlig losgelöst von den traumatischen Vorfällen erscheint. Die Arbeit zeigt damit einerseits den mutigen emanzipatorischen Akt dieser Frauen, verdeutlicht dabei aber gleichzeitig die Kluft zwischen den amtlichen abstrahierenden Aufzeichnungen und den persönlichen traumatischen Erfahrungen, mit denen die Betroffenen meist alleingelassen werden.

Die Arbeit Grammar of Calculated Ambiguity basiert auf einer Audiospur, die die Schweizer Künstlerin Gabriela Löffel zwei Wochen nach der Veröffentlichung der Pandora Papers während einer Offshore-Finanzkonferenz aufgenommen hat. Diese mehrtägige Konferenz richtete sich exklusiv an Insider*innen der Finanzbranche, an Treuhänder*innen, Anwält*innen und Vermögensverwalter*innen, sozusagen an die Architekt*innen von Offshore-Strukturen. Gabriela Löffels Aufnahme dokumentiert eine Podiumsdiskussion über die Wahrnehmung der Offshore-Finanzindustrie in der Öffentlichkeit. Während der Finanzindustrie eine Schlüsselrolle im Zusammenhang globaler Krisen wie der Klimakrise und wachsender Ungleichheit zukommt, bleiben ihre Strukturen und Vorgehensweisen schließlich versteckt. Aufgrund der akustischen Bedingungen sind Teile der Aufnahme schwer verständlich. Expert*innen haben sie deshalb im Tonstudio mit Hilfe von forensischen Tontechnikern rekonstruiert. Diesen Übersetzungsprozessfilmte Löffel und thematisiert dabei die Mehrdeutigkeit von Sprache: Während wir hören, wie Fachjargon unter anderem genutzt wird, um bestehende Gesetze zu umgehen, wird deutlich, dass Worte niemals neutral sind – selbst kleinste Nuancen können neue Bedeutungsräume eröffnen. Eine Komposition der Klangkünstlerin Olga Kokcharova ergänzt und interveniert in das Video und betont so die modulierbaren, porösen Formen der Installation.

Agil Abdullayevs Radicals in Between Trees and Dicks basiert auf einer vierjährigen Feldforschungsarbeit über queere Cruising-Kultur in Aserbaidschan und den angrenzenden Regionen des Kaukasus, Georgiens und Kasachstans - Umgebungen, in denen queere Identitäten kriminalisiert oder unterdrückt werden, in denen aber Cruising (die Suche nachanonymen Begegnungen im öffentlichen Raum) nach wie vor eine wichtige Praxis ist. Die Installation kombiniert Performances, Oral History-Zeugnisse und poetische Nachinszenierungen, um zu verdeutlichen, wie queere Geschichte und Gemeinschaft mit politischer Dringlichkeit in umkämpften Räumen verwoben sind. Auf drei Video-Kanälen zeigt sie verschiedene Perspektiven auf Cruising: physische Orte wie Parks und verlassene Gebäude, anonymisierte Interviews und abstrahierte Bildsprache durch Zeitlupen und Körperbewegungen. Agil Abdullayev hinterfragt dominante Narrative und lädt ein, öffentlichen Raum durch eine queere Linse zu sehen. Dabei bezieht Abdullayev auch Merkmale aus der aserbaidschanischen Filmgeschichte ein, insbesondere aus sowjetischen Filmen, die traditionelle Familienwerte und Maskulinität aufrufen, und verarbeitet diese in minimalistischen Tanzszenen. In der Arbeit geht es nicht nur um die Dokumentation von queeren Erfahrungen, sondern auch um das Schaffen von Räumen, in denen diese Geschichten erzählt und neu interpretiert werden können.

Die Ausstellung wird bis zum 25. Mai in der Kunsthalle Osnabrück zu sehen sein.

Weiterhin können sich Film- und Kunstprofessionals hier für den Besuch des Festivals anmelden. Die Akkreditierung berechtigt zum freien Eintritt in alle Filmprogramme, die Ausstellungen, Performances, Talks und den EMAF Campus. Akkreditierungsschluss ist der 18.April.

Picture Copyright: Flo Kasearu

Mit der Sektion Artists in Focus würdigt das EMAF Künstler*innen, deren Praxis sich zwischen Kunst und Kino verortet und gängige Vorstellungen von filmischen Erzähl- und Arbeitsformen erweitert. Wir freuen uns sehr, in diesem Jahr New Red Order (NRO) als Artists in Focus begrüßen zu können – genauer: NRO and Company, denn neben Filmen der Hauptmitwirkenden Adam Khalil (Ojibway), Zack Khalil (Ojibway) und Jackson Polys (Tlingit) werden auch Arbeiten zu sehen sein, die in Zusammenarbeit mit Bayley Sweitzer, Maria Meinild, Anton Vidokle und anderen Konstellationen entstanden sind.

NRO ist eine öffentliche Geheimgesellschaft, die in Netzwerken von Mitwirkenden, Kompliz*innen und Informant*innen arbeitet. In Filmen, Installationen und Performances, in kollektiven Projekten (Give It Back) und mit Partnerorganisationen (Creative Time) setzt sich NRO mit einer kolonialen Siedlergesellschaft auseinander, die gleichermaßen von der Sehnsucht nach dem Indigenen wie der gewaltsamen Vernichtung und Vertreibung von indigenem Land und Leben geprägt ist. NRO stellt die Frage, wie diese Sehnsucht auf produktive und nachhaltige Weise kanalisiert werden kann: „Unser Ziel ist es, Schuld und Scham zu überwinden, nicht um sie zu beseitigen und hinter uns zu lassen, sondern um durch sie und jenseits von ihr etwas zu imaginieren, das Indigene Zukünfte im Blick hat und befördert.“ (NRO)

NRO verwenden in ihren Arbeiten eine Vielzahl von Formen und Strategien, die vom Genrekino und Experimentalfilm bis hin zu Werbefilm und Manifest reichen, immer verbunden mit Humor, Aufrichtigkeit und gewissenhafter Recherche. Ihr Ziel ist es, unsere politische Vorstellungskraft zu erweitern und Wege hin zu einer für alle lebenswerten Zukunft zu weisen.

„In unserer gemeinsamen Arbeit versuchen wir, geschickte und ungewöhnliche konzeptuelle Rahmungen zu entwickeln, die uns erlauben, die Widersprüche, Fehler und Traumata, die die Geschichte des kolonialen Projekts seit 1492 auszeichnen, zu untersuchen, neu zu arrangieren und sogar zu parodieren. Wir stellen die Sicherheit und Stagnation normativer Einstellungen im Hinblick auf diese schwierigen Themen in Frage und versuchen stattdessen, die Strukturen für konzeptuell fruchtbarere Vorstellungen davon zu schaffen, wie ‚Identität‘ und ‚Geschichte‘ in unserem gegenwärtigen Verständnis von Dekolonisierung, Versöhnung und Siedlerkolonialismus vermittelt und konfiguriert werden.“ (Adam Khalil)

Eine zentrale Arbeit im Programmist der erste gemeinsam von Adam Khalil und Zack Khalil realisierte Langfilm INAATE/SE/ [it shines a certain way. to acertain place/it flies. falls./] (2016), der die Prophezeiung der Sieben Feuer, eine Erzählung der Anishinaabe, aufgreift. Sie sagt den Erstkontakt mit den Europäern vorher, lange bevor dieser sich ereignete. In INAATE/SE/ gehen Adam und Zack den transgenerationalen Spuren dieser Erzählung in ihrer eigenen indigenen Gemeinschaft nach.

In Never Settle: The Program (2018) wechseln sich Bilder eines von Siedlerhand zerstörten Planeten ab mit gruppentherapeutischen Aktionen, in denen willige Siedler*innen ihren eigenen Wunsch indigen zu werden erforschen und überwinden können. Als Video zur Anwerbung neuer Mitglieder angelegt, befragt NRO die Dynamiken von Kompliz*innenschaft, den Wunsch nach Wiedergutmachung und die Kooptierung indigener Anliegen durch Nicht-Indigene.

Nosferasta: First Bite (2021) von Adam Khalil, Bayley Sweitzer und Oba,einem in Brooklyn lebenden Künstler und Musiker aus Trinidad, übersetzt 500 Jahre kolonialer Zerstörung in die Sprache des Vampirfilms. Er folgt Oba, der als afrikanischer Sklave an einer Küste strandet, und Christoph Columbus, durch dessen Biss er zum Vampir wird, auf ihrem Weg durch die „Neue Welt“, die sie nach und nach kolonial infizieren. In einem unkonventionellen Stil- und Genremix erzählt Nosferasta von der Schwierigkeit Jahrhunderte vampirischer Konditionierung zu überwinden. Wie kann man dekolonisieren, was man selbst im Blut hat?

Die Filme von NRO und ihren oft langjährigen Mitstreiter*innen werden ergänzt durch zwei von Adam Khalil zusammengestellte Kurzfilmprogramme. In Anti Ethnography sind Filme aus mehreren Jahrzehnten zusehen, die sich aus indigener Perspektive mit dem ethnografischen Blick auseinandersetzen. Ein zweites Programm wird den europäischen Booklaunch von Temporal Territories. An Anthology of Indigenous Experimental Cinema begleiten, einer jüngst vom COUSIN Collective (Sky Hopinka, Adam Khalil, Alexandra Lazarowich und Adam Piron) herausgegebenen Publikation. In diesem Rahmen werden die Filme einiger der im Buch vorgestellten Künstler*innen zu sehen sein, unter anderen Walter Scotts neuer Kurzfilm _Organza’s Revenge_.

Am 23. April beginnt in Osnabrück das 38. European Media Art Festival. Wir freuen uns darauf, fünf Tage lang wieder zum internationalen Treffpunkt für Künstler*innen, Kuratierende, Forschende, Studierende und Film- und Kunstinteressierte zu werden. Ab sofort können sich Film- und Kunstprofessionals hier für den Besuch des Festivals anmelden.

Die Akkreditierung berechtigt zum freien Eintritt in alle Filmprogramme, die Ausstellungen, Performances, Talks und den EMAF Campus. Akkreditierungsschluss ist der 18. April. Für Pressevertreter*innen entfällt die Akkreditierungsgebühr. Sie können sich dazu vorab an presse@emaf.de wenden, auch wegen vergünstigter Hotelkonditionen.

Details zum Programm gibt es hier in den kommenden Wochen. Wir freuen uns auf Euren Besuch!

Das EMAF gibt mit seinem Programm nicht nur einen jährlichen Überblick über das medienkünstlerische Schaffen der Gegenwart, sondern greift auch Entwicklungen und Diskurse auf, die unser gesellschaftliches Zusammenleben prägen – seien sie künstlerischer, technologischer oder politischer Art. Diese Auseinandersetzung findet insbesondere im Rahmen des Festivalthemas statt, dessen Ausarbeitung in den Händen eines jährlich wechselnden kuratorischen Teams liegt. Mit dem kommenden Themenschwerpunkt Witnessing Witnessing (Das Bezeugen bezeugen) möchten wir uns der Frage widmen, welche Rolle Zeug*innen gegenwärtig zukommt, wie Zeugnisse – Aussagen, Dokumente, einzelne Dinge oder ganze Archive – unseren Blick auf die Welt prägen und wie sie in politische Wirklichkeit hineinwirken können.

Was wir bezeugen oder als Zeugnis hinterlassen, ermöglicht anderen, sich ein Bild von der Welt zu machen, das über die Grenzen ihrer eigenen Erfahrung hinausreicht. Zeug*innenschaft stiftet dadurch Verbindungen zwischen individuellen und kollektiven, vergangenen und gegenwärtigen Erfahrungsräumen. Zeugnissen kommt auch deshalb eine wichtige Bedeutung zu, weil sie bisher ungehörte Stimmen ins Spiel bringen können. Sie können unhinterfragt überliefertes Wissen, aber auch unbewusste gesellschaftliche Verdrängungsprozesse in Frage stellen und damit nachhaltig verändern, was sag-, wahrnehm- und vorstellbar ist. Was passiert aber, wenn diese Prozesse unterbrochen werden? Wenn Zeugnisse ignoriert, aktiv geleugnet oder gegen die Bezeugenden selbst in Stellung gebracht werden? Und wie ist eine Vermittlung zwischen unterschiedlichen oder sich widersprechenden Aussagen über die Wirklichkeit möglich?

Die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung versteht Zeug*innenschaft als aktive und auch performative Praxis, die weit über die bloße Dokumentation von Ereignissen hinausgeht. Künstler*innen setzen digitale Medien, Video, Film und interaktive Installationen ein, um Zeug*innenschaft als moralischen, politischen und emotionalen Akt zu untersuchen. Sie hinterfragen die Authentizität und Wahrheit von Medienproduktion, indem sie die Verantwortung und die Machtverhältnisse beleuchten, die mit der Darstellung von Ereignissen, Geschichte, Trauma und Gewalt verbunden sind. Die Besucher*innen sind dazu eingeladen, selbst zu untersuchen, Verbindungen herzustellen und sich kritisch mit den präsentierten Informationen auseinanderzusetzen, um so Teil des prozessualen Aktes der Zeug*innenschaft zu werden.

Was können Kunst und Film tun oder sagen, in Zeiten, in denen ein live gestreamter Genozid begangen wird, dessen Verantwortliche ungestraft davonkommen? Das von Laura Huertas Millán kuratierte Filmprogramm untersucht eine Reihe unterschiedlicher künstlerischer Praktiken, die um Erinnerung, die Körperlichkeit von Widerstand und Performance als somatisches Archiv für die Überlieferung von Geschichte kreisen. Der Titel der Reihe, We sing to wing again, inspiriert von einem Vers der Dichterin Hoa Nguyen, verweist auf die nicht enden wollenden Zyklen kolonialer Gewalt, das Durchbrechen eines oppressiven Schweigens, das Bezeugen von Geschehenem und das Bewahren von Hoffnung.

Wenn Zeug*innen von Gewalt und Ungerechtigkeit ungehört bleiben, wo wird das, was passiert, registriert, wo wird es aufgehoben? I could swear my face was touching stone, der Titel der diesjährigen Talks, kuratiert von Natascha Sadr Haghighian, Marc Siegel, Philip Widmann und Florian Wüst, ist dem Gedicht Land to Light On (1997) der kanadischen Schriftstellerin Dionne Brand entliehen. Brand hat sich in ihrer Poesie immer wieder mit der Frage des Bezeugens beschäftigt, mit der Lücke zwischen dem, was angetan, und dem, was davon berichtet wurde. Die vier hybriden Veranstaltungen, die Panels, Vorträge, Lesungen und Filme miteinander verknüpfen, widmen sich der transhistorischen Dimension affektiver Zeug*innenschaft sowie den körperlichen und sensorischen Formen des Wissens.

Zu den Kurator*innen:

Laura Huertas Millán ist eine kolumbianische und französische Filmemacherin und Künstlerin. Sie lebt in Belgien. In ihren Filmen verbindet sie Fiktion, Ökologie, kritische Ethnografie und diasporische Narrative, um Geschichten des Widerstands und des Überlebens sichtbar zu machen.

Natascha Sadr Haghighian arbeitet mit unterschiedlichen Medien und widmet sich epistemischem Ungehorsam und diasporischen Infrastrukturen. Darüberhinaus unterrichtet sie Skulptur und Installation an der HfK Bremen.

Inga Seidler ist eine in Berlin lebende freie Kuratorin und Projektmanagerin. Sie war Ausstellungskuratorin des transmediale Festivals und leitete das Web Residency Programm der Akademie Schloss Solitude. Seit 2021 kuratiert sie u.a. die Ausstellungen des EMAF.

Marc Siegel ist Filmwissenschaftler, Kurator und Mitglied des Berliner Kunstkollektivs CHEAP. Er ist Professor für Filmwissenschaft an der Johannes Gutenberg-Universität in Mainz.

Philip Widmann forscht, kuratiert und macht Filme. Zurzeit arbeitet er als postdoctoral researcher im SNF-geförderten Projekt Paranational Cinema – Legacies and Practices an der Universität Zürich.

Florian Wüst arbeitet als Filmkurator, Künstler und Dozent in Berlin. Er kuratiert Filmprogramme für internationale Kunstinstitutionen, Kinos und Festivals, und ist Mitgründer der Berliner Hefte zu Geschichte und Gegenwart der Stadt.

Das 38. European Media Art Festival findet vom 23. bis zum 27. April 2025 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird bis zum 25. Mai 2025 zu sehen sein.

Wir freuen uns, das neue Jahr mit zwei Filmvorführungen im Kino in der LAGERHALLE einzuläuten und damit die Wartezeit bis zum EMAF zu verkürzen.

Am Mittwoch, den 22.01., zeigen wir in Kooperation mit unseren langjährigen Partnerinnen vom Kunstraum hase29 im Kontext der Ausstellung „Glitch in der Matrix” den feministischen Science-Fiction BORN IN FLAMES von Lizzie Borden (1983). Im Anschluss laden wir herzlich zum Gespräch mit Katrin Mundt (EMAF) und Jasmina Janoschka (hase29) ein.

Am darauffolgenden Mittwoch, den 29.01., setzen wir, ebenfalls im Kino in der LAGERHALLE, mit Jean-Pierre Gorins dokumentarischem Essay POTO AND CABENGO (1980) unsere Reihe „Sehen, um zu hören” fort. Der Film begibt sich auf die Spuren eines Zwillingspaars und zeichnet die Kontroversen um Kindheit, Sprache und gesellschaftliche Teilhabe nach, die sich an ihnen entzündeten.

Mi, 22.01.2025, 19 Uhr – LAGERHALLE Osnabrück

Born in Flames, Lizzie Borden, US 1983, 80’ (OmdU) In Kooperation mit dem Kunstraum hase29

Lizzie Bordens Science-Fiction-Film BORN IN FLAMES (1983) zeigt eine dystopische Zukunft in den USA, in der eine feministische Revolution gegen bestehende Machtstrukturen ausgerufen wird, um soziale Ungleichheiten und die Unterdrückung von Frauen zu bekämpfen. Der Film nutzt Medien – vor allem das Radio – als Symbol für den Widerstand und thematisiert den Kampf für Gleichberechtigung in einem autoritären Staat, der Reformen blockiert und alternative Stimmen unterdrückt. Wie auch die Ausstellung „Glitch in der Matrix” im Kunstraum hase29 setzt sich der Film mit der Frage auseinander, wie unsere Vorstellung von „Realität” durch politische und mediale Machtstrukturen manipuliert wird. Im anschließenden Gespräch mit Katrin Mundt und Jasmina Janoschka geht es u.a. um die Frage, inwiefern Glitches – Störungen im System – Kontrollverlust, aber auch gesellschaftliche Veränderung befördern.

Der Eintritt ist frei.

Mi, 29.01.2025, 19 Uhr – LAGERHALLE Osnabrück

Sehen, um zu hören, Teil 2: Poto and Cabengo, Jean-Pierre Gorin, US/BRD 1980, 72’ (en OF)

Grace und Virginia sind Zwillingsschwestern aus San Diego. Da sie weitgehend isoliert von der Außenwelt aufwachsen, haben die Mädchen eine private Form der Kommunikation entwickelt – eine Mischung aus Deutsch und Englisch, den Sprachen, von denen sie zu Hause umgeben sind. Jean-Pierre Gorins vielstimmiger dokumentarischer Film betrachtet die Lebensumstände der Mädchen und zeichnet die medialen Reaktionen nach, die das Bekanntwerden ihrer „Geheimsprache” auslöste. Er erfasst dabei auch das Unbehagen, das diese ungewöhnliche, von der Umwelt scheinbar abgekoppelte Sprachgemeinschaft in der Gesellschaft erzeugte. Eine ungewöhnliche Studie über Worte und Gesichter, Massenmedien und Isolation und die politischen Dimensionen von Familie.

Tickets: 6 EUR / 5 EUR (erm.)

Weitere Termine zum Vormerken:

18.02.2025, 19:00 Uhr – LAGERHALLE Osnabrück

Sehen, um zu hören, Teil 3: Leila und die Wölfe, Heiny Srour, UK/FR/BE/NL/LB/SE 1980-84, 95´ (Arabisch mit en UT)

Mit LEILA UND DIE WÖLFE der libanesischen Filmemacherin Heiny Srour freuen wir uns einen Klassiker des feministischen Films in Osnabrück zu zeigen. Im Zentrum steht Leila, eine in London lebende junge Libanesin, die auf der Suche nach ihrer eigenen Rolle in der Gesellschaft der kollektiven Erinnerung arabischer Frauen und ihrem oft verborgenen Anteil an der jüngeren Geschichte des Nahen Ostens nachspürt. Sie begibt sich auf eine imaginäre Zeitreise vom frühen 20. Jahrhunderts bis in ihre Gegenwart und durch die umkämpften Landschaften Palästinas und des Libanon. Dabei verweben sich Geschichte und persönliche Erinnerungen, Archivmaterial und Folklore. Sechs Jahre arbeitete Heiny Srour an der Fertigstellung dieses außerordentlichen Films, der von der Hoffnung auf Befreiung aus patriarchaler und kolonialer Herrschaft getragen ist.

Leila und die Wölfe wurde restauriert vom CNC – Centre national du cinéma et de l’image animée und wurde ausgewählt für die Venice Classics 2021. Der Film ist im Verleih von Cinenova, London, einer ehrenamtlichen Organisation für die Erhaltung und den Verleih feministischer Film- und Videokunst.

Tickets: 6 EUR / 5 EUR (erm.)

26.03.2025, 19 Uhr – LAGERHALLE Osnabrück

Sehen, um zu hören, Teil 4: Winter adé, Helke Misselwitz, DDR 1987-88, 116’ (de OF)

Im Winter 1987 kehrt die Filmemacherin Helke Misselwitz an den Bahnübergang bei Zwickau zurück, wo sie 40 Jahre zuvor in einem Krankenwagen geboren wurde. Von dort aus begibt sie sich auf eine Reise quer durch die DDR. Die Filmemacherin begegnet Frauen verschiedenen Alters und unterschiedlicher sozialer Herkunft: eine alleinerziehende Arbeiterin aus einer Brikettfabrik, zwei junge Punks, eine erfolgreiche Berliner Ökonomin und eine 85-jährige Dame, die gerade diamantene Hochzeit feiert. Misselwitz gibt Raum und hört zu, während die Frauen erzählen: von ihren unterschiedlichen Leben, ihren Enttäuschungen und Hoffnungen für die Zukunft. Die große Nähe der Frauen zueinander prägt diesen Film, der voller Brüche und Widersprüche ist, aber auch komisch und voller Zuversicht. Ein eindrückliches atmosphärisches Porträt der DDR kurz vor dem Ende ihres Bestehens.

Tickets: 6 EUR / 5 EUR (erm.)

Wir freuen uns auf ein Wiedersehen und senden herzliche Grüße vom Team des EMAF 2025!

Die Architektur eines Ortes erzählt, wie wir leben und zusammenleben wollen. Sie erzählt auch von seiner Geschichte, die die Geschichte seiner Gesellschaft ist. Krisen, Kriege, Brände, gesellschaftliche Meinungsänderungen können durch Lücken, Hinzufügungen, Leerstand und Verfall sichtbar sein. Unter der Überschrift Ortsbestimmungen zeigt der Experimentalfilm Workshop e.v. in diesem Jahr wieder Videoarbeiten, Found Footage und Animationsfilme von sechs internationalen Künstler*innen, die sich auf unterschiedliche Weise mit den Formen und Inhalten von Orten und Räumen beschäftigen. Kuratiert wurde „Lichte Momente“ in diesem Jahr von Vera Brüggemann und Christine Gensheimer.

Eröffnet wird „Lichte Momente“ am Donnerstag, den 5. Dezember 2024 um 17 Uhr in der Kunsthalle Osnabrück

Dazu möchten wir Euch herzlich einladen! Im Rahmen der Eröffnung bieten wir auch eine erste Führung mit den Kurator*innen an.

Zu sehen seien werden Beiträge von Manuel Boden (DE), Lilli Carré (US), Barry Doupé (CA), Arianne Olthaar (NL), Eszter Szabo (HU) und Dagmar Weiss (DE).

Die Videoarbeiten sind frei zugänglich und vom 05.12.2024 bis zum 05.01.2025 täglich von 17:00 bis 22:00 Uhr zu sehen. Jeden Samstag um 18 Uhr bieten wir kostenlose Führungen an.

Wie man „Lichte Momente“ erlebt – ob beim zufälligen Vorbeischlendern, ob systematisch und Arbeit für Arbeit oder aber in einer öffentlichen Führung – ist jeder und jedem selbst überlassen. Der Parcours ist damit auch eine Einladung, in der Geschäftigkeit der Vorweihnachtszeit und der stillen Phase des Jahreswechsels einen eigenen Rhythmus zu finden.

Wir bedanken uns für die Förderung bei der Stadt Osnabrück, dem Landschaftsverband Osnabrücker Land e.V., dem Niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur, der Spiekermann & Co. AG, der Interessengemeinschaft Osnabrücker Altstadt e.V. und outdoorbeamer.com.

„Lichte Momente“ ist eine Veranstaltung des Experimentalfilm Workshops e.V., der auch Träger des European Media Art Festivals ist. „Lichte Momente“ gibt es in Osnabrück seit 2012.

Wie erinnern wir Vergangenes, und wer redet mit, wenn wir davon erzählen? In den kommenden Monaten zeigt das EMAF in Kooperation mit dem Kino in der LAGERHALLE Filme aus vier Jahrzehnten und unterschiedlichen Teilen der Welt. Sie bewegen sich zwischen Zeiten und Orten, suchen dabei die unscharfen Ränder politischer Umbrüche auf und legen die verschütteten Spuren historischer Ereignisse wieder frei. Sie nutzen unterschiedliche Formen des dokumentarischen Erzählens, in denen sich persönliche und kollektive Erinnerung, gesprochenes Wort und mediales Gedächtnis überlagern.

Den Anfang macht am 20. November um 19 Uhr:

The Halfmoon Files von Philip Scheffner, DE 2007, 87’ (Englisch, Hindi, Punjabi, Gurkha mit deutschen UT)

„Es war einmal ein Mann. Er geriet in den europäischen Krieg. Deutschland nahm diesen Mann gefangen. Er möchte nach Indien zurückkehren. Wenn Gott gnädig ist, wird er bald Frieden machen. Dann wird dieser Mann von hier fortgehen.“ Knisternd verklingen die Worte von Mall Singh, gesprochen in einen Grammophontrichter am 11. Dezember 1916 in der Stadt Wünsdorf bei Berlin. 90 Jahre später ist Mall Singh eine Nummer auf einer alten Schellackplatte in einem Archiv, eine unter Hunderten von Stimmen von Kolonialsoldaten des Ersten Weltkrieges. The Halfmoon Files ist eine Gespenstergeschichte, ein Dokumentarfilm und eine Recherche zu den Verflechtungen von Politik, Kolonialismus, Wissenschaft und Medien. Philip Scheffner folgt darin diesen Stimmen an den Ort ihrer Aufnahme. Wie in einem Memoryspiel, das bis zum Ende unvollständig bleibt, deckt er Bilder und Töne auf, in denen die Geister der Vergangenheit zum Leben erwachen.

Eintritt: 6 Euro, ermäßigt 5 Euro

Die Sichtung fürs kommende Festival hat begonnen, und wir freuen uns sehr, euch heute unser neues Sichtungsteam vorzustellen: Juan David González Monroy, Rita Macedo, Christina Stuhlberger und Clarissa Thieme werden in den kommenden Monaten gemeinsam mit Katrin Mundt die Filme für die International Selection und Features auswählen und beim Festival vorstellen. Wir sind gespannt auf den Austausch und die gemeinsame Programmarbeit!

Juan David González Monroy ist ein in Berlin lebender bildender Künstler. Seit 2010 arbeitet er gemeinsam mit Anja Dornieden unter dem Namen OJOBOCA. Ihre künstlerische Praxis konzentriert sich auf den fotochemischen Film und erforscht das Kino als soziales Ritual. Die Filme, Installationen und Expanded-Cinema-Performances von OJOBOCA wurden in zahlreichen Soloscreenings und Gruppenausstellungen gezeigt, unter anderem im Museum of the Moving Image, dem ICA London, Wexner Center for the Arts, Anthology Film Archives, Haus der Kulturen der Welt sowie auf Filmfestivals wie der Berlinale und dem New York Film Festival.

Rita Macedo ist Filmemacherin und Videokünstlerin und lebt in Berlin. Seit 2018 ist sie künstlerische Mitarbeiterin an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig, wo sie verschiedene filmbezogene Fächer unterrichtet. Ihre Arbeit bewegt sich in den Bereichen Dokumentarfilm und spekulative Fiktion, mit einem Fokus auf Bedeutung, Erinnerung und Geschichte, und wurde auf zahlreichen Ausstellungen und Festivals gezeigt, wie dem European Media Art Festival, dem Berwick Film and Media Arts Festival, dem Kurzfilmfestival Hamburg, dem IndieLisboa International Film Festival, dem Kasseler Dokfest und anderen.

Christina Stuhlberger ist eine in Wien und Brüssel lebende Künstlerin und Filmemacherin. Sie ist Mitbegründerin von elephy, einem Kollektiv und einer Plattform für Film und audiovisuelle Kunst, und arbeitet als Gastkuratorin für das Courtisane Film Festival in Gent. Neben ihrer künstlerischen Arbeit ist sie Doktorandin an der LUCA School of Arts in Brüssel und unterrichtet im Rahmen des internationalen Masterstudiengangs Doc Nomads im Bereich Dokumentarfilm.

Clarissa Thieme ist eine Filmemacherin und Künstlerin. Ihre Filme, Installationen und performativen Interventionen konzentrieren sich auf Brüche zwischen individueller Erinnerung und ihrer Übersetzung in Prozesse historischer Objektivierung. Ihre neue Arbeit erforscht ein lebendiges Archiv als neues Gemeingut und Verletzlichkeit als künstlerische Strategie des Widerstands und der Solidarität. Thieme ist Mitbegründerin von ARchipelago, einer ortsspezifischen Archivierungsplattform, und der Open-Archive Initiative Između Nas/Between Us Sarajevo. Sie ist Doktorandin am Artistic Research Center (ARC) an der Wiener Filmakademie (mdw).

Noch bis zum 10. Januar könnt ihr hier eure aktuellen Filme, Installationen und Live-Projekte einreichen: https://emaf.filmchief.com/entry-forms.

Medienkünstler*innen aus der ganzen Welt können ihre Arbeiten jetzt für die Sichtung zum European Media Art Festival 2025 einreichen. Die Online-Plattform unter https://emaf.filmchief.com/entry-forms ist ab sofort geöffnet.

Wir freuen uns über Arbeiten aus den Bereichen Film, Installation und Expanded (Live-Projekte wie Performances, interaktive Arbeiten oder Workshops). Die Einreichfrist endet am 10. Januar 2025. Unser kuratorisches Team wird aus den eingereichten Arbeiten das Programm für das kommende Festival zusammenstellen.

Das Einreichen von Arbeiten ist kostenfrei. Für alle für das Festival ausgewählten Beiträge werden Künstler*innenhonorare gezahlt.

Neuausrichtung der Preise

Wir werden ab der kommenden Festivalausgabe die Preisvergabe neu ausrichten. Bisher wurden unter allen für den Internationalen Wettbewerb ausgewählten Filmen die drei Preise des Festivals vergeben. In Zukunft werden wir die vorhandenen Preisgelder paritätisch unter allen kurzen und mittellangen Filmen aufteilen, die für die künftig so genannte International Selection ausgewählt werden. Diese sind gleichberechtigte Gewinner des EMAF Award und erhalten ein Preisgeld von je 400,00 €.

Wir sind der Überzeugung, dass Filme keinen Wettbewerb brauchen, um ihre Besonderheit unter Beweis zu stellen. Unsere Filmauswahl und Programmierung baut auf den Dialog, der sich zwischen Filmen ebenso entfaltet wie zwischen Filmen und Publikum. Wir verstehen den Verzicht auf Wettbewerbe außerdem als einen weiteren Schritt hin zu mehr Fairness und Transparenz in der Festivalarbeit. Ähnlich wie die konsequente Zahlung von Künstler*innenhonoraren und die Absage an Premierenzwänge soll er das EMAF als einen Ort stärken, an dem Austausch und Begegnung den Vorrang haben gegenüber Konkurrenz und Exklusivität.

Eine Jury des Verbands der deutschen Filmkritik (VdFk) vergibt unter allen Filmen der International Selection den EMAF Medienkunstpreis des Verbands der deutschen Filmkritik. Der Preis ist undotiert.

Deutsche Kurzfilme, die für die International Selection ausgewählt wurden, können gemäß den geltenden Bestimmungen der Filmförderungsanstalt (FFA) für die Vergabe von fünf Referenzpunkten berücksichtigt werden. Für den EMAF Medienkunstpreis der deutschen Filmkritik wird bei der Punktevergabe auch weiterhin zwischen Nominierung und Preisträgerfilm unterschieden.

Das 38. European Media Art Festival findet vom 23. bis zum 27. April 2025 statt. Die Ausstellung in der Kunsthalle Osnabrück wird bis zum 25. Mai 2025 zu sehen sein.

Nach fünf Tagen ist gestern in Osnabrück das 37. European Media Art Festival zu Ende gegangen. Wir freuen uns über das große Interesse, das dem Festival entgegengebracht wurde, und über die guten Gespräche, die geführt wurden. Am Samstagabend sind beim EMAF in der Kunsthalle Osnabrück die Preise vergeben worden.

Den EMAF Award für eine herausragende Arbeit in der Medienkunst erhielt die Künstlerin Monica Maria Moraru für I Am Also Part of the Three Turns. Der experimentelle Film zeichnet auf Grundlage fragmentarischer, mündlicher Überlieferungen die Auswirkungen eines Erdbebens in Bukarest und einer zeitgleichen Überschwemmung in der rumänischen Kleinstadt Buzau nach. Der EMAF Award ist mit 3.000 Euro dotiert. Der Dialog-Preis zur Förderung des interkulturellen Austausches geht an Peng Zuqiang für seinen Film The Cyan Garden, der sich um einen revolutionären Radiosender dreht, der nicht auffindbar sein sollte, und eine Airbnb-Wohnung, die eine Freundin des Künstlers in ihrer gemeinsamen Heimatstadt betreibt. Der Preis ist mit 2.000 Euro dotiert. Hey Sweat Pea von Alee Peoples wird mit dem EMAF Medienkunstpreis des Verbands der deutschen Filmkritik (VdFk) ausgezeichnet. Er erzählt auf humorvolle und überraschende Weise davon wie, das Älterwerden der Eltern mit einem existenziellen Impuls in den Vororten von Los Angeles kollidiert. Der Preis ist mit 2.000 Euro dotiert.

Der EMAF Award und der Dialog-Preis wurden von einer Jury aus Medienkünstler*innen und Kurator*innen vergeben, der in diesem Jahr Marwa Arsanios, Adam Khalil und Pieter-Paul Mortier angehören. Die Filmkritiker*innen Alejandro Bachmann, Sebastian Markt und Gabriele Summen bildeten die Jury für den EMAF Medienkunstpreis des VdFk.

Der EMAF Award für I Am Also Part of the Three Turns gehe an Monica Maria Moraru „für die Auseinandersetzung mit der Geschichte des Erdbebens von Bukarest in 1977 und den Versuch, diese von den politischen Behörden instrumentalisierte, historische `sogenannte´ Naturkatastrophe neu zu schreiben“, urteilte die Jury. „Der Film zeigt die scheinbare Stabilität von Ordnungen, seien es natürliche oder politische, um jene Kategorien und unser Verhältnis zu ihnen zu hinterfragen.“ Die Jury sprach zudem eine lobende Erwähnung für Belfi von Ismaël Iken aus. Der Film erforscht die Faszination für ein abgebrochenes Stück einer goldenen Bankkarte, in der sich Fiktion und Realität vermischen.

Der Dialog-Preis für The Cyan Garden von Peng Zuqiang wird vergeben „für seine eindringliche und faszinierende historische Archäologie der Klänge und Stimmen eines Untergrund-Radiosenders“, begründet die Jury ihre Entscheidung. „Diese Ausgrabung von Stimmen der malaysischen Revolution lässt sowohl eine historische Intimität als auch die Geschichte des Intimen, wie es damals existierte, aufleben.“ Eine lobende Erwähnung vergibt die Jury an detours while speaking of monsters von Deniz Şimşek. Der Film erzählt die Jahrtausende alte Sage von einem Wassermonster, dessen Mythos auf die Vorfahren der Armenierinnen und Kurdinnen rund um den Vansee zurückgeht – eine Region, die die ethnische Säuberung beider Völker erlebt.

Mit Hey Sweet Pea von Alee Peoples zeichnet die Jury des EMAF Medienkunstpreises des Verbands der deutschen Filmkritik eine „in besonderer Weise überzeugende filmische Antwort“ aus, auf die Frage, wie man das Gefühl beschreibt, „dass ein gigantisches Nichts langsam alles auffrisst“, heißt es in der Begründung der Jury. „Indem man die Unendliche Geschichte, die man Kindern und Erwachsenen erzählt, aus der Virtualität holt und sie auf die konkrete Welt überträgt. Und indem man selbst mit fast nichts, nur den Dingen, die zur Hand sind, die sichtbar erfasst oder hörend wahrgenommen werden können, virtuos und bescheiden, verspielt und insistierend, deprimiert lachend Filme macht.“ Eine lobende Erwähnung in dieser Kategorie geht an Ann Carolin Renninger für Der Wind nimmt die mit. Der Film erzählt die Geschichte von Rovin, Maria und Christopher, die alle drei auf der Suche nach etwas sind.

Wir bedanken uns bei allen Künstler*innen, Helfer*innen und bei unseren Förderern, besonders bei der nordmedia, der Stadt Osnabrück, der Stiftung Niedersachsen, der VGH-Stiftung, der Sievert Stiftung für Wissenschaft und Kultur und dem Landschaftsverband Osnabrücker Land e. V.

Die Ausstellung des 37. EMAF ist noch bis zum 26. Mai in der Kunsthalle Osnabrück zu sehen.

Wir freuen uns, dass gestern Abend in der Kunsthalle Osnabrück der Startschuss für fünf Tage European Media Art Festival gefallen ist. Rund 1.000 Menschen waren dabei, als Anna Jehle & Juliane Schickedanz (Leitung Kunsthalle Osnabrück), Wolfgang Beckermann (Erster Stadtrat, Stadt Osnabrück), Staatssekretär Dr. Jörg Mielke (Niedersächsische Staatskanzlei) und Alfred Rotert & Katrin Mundt (Leitung EMAF) das Festival bei recht kühlen Temperaturen eröffnet haben.

„So international und auch vom künstlerischen Ansatz her vielfältig zusammengesetzt die ausgewählten Werke sind, so international und vielfältig sind die Kuratorinnen und Kuratoren der Ausstellung und der Filmprogramme. Und so spiegeln sich in dem 5-tägigen Programm des Festivals, der Ausstellung, den annähernd 100 Filmen, den zahlreichen Performances und Wortbeiträgen auch diese vielfältigen Ansätze und Perspektiven wider“, so hat es Wolfgang Beckermann, der Erste Stadtrat der Stadt Osnabrück, gestern Abend bei der Eröffnung des 37. European Media Art Festivals in der Kunsthalle Osnabrück gesagt.

Dementsprechend geht es nun weiter mit vier Tagen vollem Programm. Hier haben wir einige Tipps für Euch zusammengestellt:

Als Teil des Themenprogramms Sudden Flash zeigen wir morgen (Freitag) um 20 Uhr 30 im Filmtheater Hasetor den Film Memoria. Es geht um die schottische Orchideenzüchterin Jessica (Tilda Swinton), die ihre Zeit in Bogotá bei ihrer Schwester und deren Familie verbringt. Ein unerklärlicher und nicht nachweisbarer Knall weckt sie auf, und sie versucht ihn aufzuspüren: um ihn nachzustellen, um ihn mit jemandem zu teilen, um herauszufinden, was er ist. Schwaden einer unbestimmten Stille machen sich zitternd bemerkbar: Jeden Moment könnten sie von einem Bild oder einem Geräusch durchschnitten werden, das keinen Ursprung und für die meisten keine Auswirkungen zu haben scheint – eine Katastrophe ohne Präzedenz oder Konsequenz.

Das Panel How to Resist as an Artist? am Samstag um 15 Uhr in der Kunsthalle Osnabrück thematisiert die Hintergründe der Bewegung „Strike Germany“. Jury-Mitglied Marwa Arsanios, die Künstlerin Caitlin Berrigan und der Kulturtheoretiker und Philosoph Sami Khatib diskutieren mit Moderatorin Franziska Pierwoss darüber, welche Wirkungsmacht der Widerstand von Kulturschaffenden gegen die Diskriminierung von Filmemacher*innen von No Other Land während und nach der Berlinale durch Politik und Medien entfalten kann. Wie gehen Kulturschaffende mit Absagen, Skandalisierung und Repression um? Wie erhalten sie Räume für Widerspruch und Meinungsverschiedenheiten, ohne einzelne Stimmen aus institutionellen Kontexten auszugrenzen? Das Panel soll Gastredner*innen und Publikum Raum geben, ihre Gedanken, Erfahrungen und Strategien zu teilen.

Ebenfalls am Samstag, um 19 Uhr, werden in der Kunsthalle Osnabrück drei Preise verliehen: der EMAF Award (dotiert mit 3.000 Euro), der Dialog Preis (dotiert mit 2.000 Euro) und der EMAF Medienkunstpreis des Verbands der deutschen Filmkritik (dotiert mit 2.000 Euro). Auf die Preisverleihung folgt um 20 Uhr 30 das live music set COOL FOR YOU.

Am Sonntag ist um 14 Uhr in der Kunsthalle Osnabrück die Performance voice under – sensory assembly zu sehen, gefolgt von einem Gruppengespräch unter der Leitung von Ester M. Bergsmark and Anna Zett.

Das performative Filmscreening voice under ist eine Einladung, den eigenen Körper ins Kino zu bringen: mit den Augen hören, mit dem Rücken sehen, auf die Leinwand mit dem Gefühl der eigenen Erfahrung reagieren. Die Veranstaltung gliedert sich in drei Teile: Der erste Teil ist eine Meditation und ein 8-minütiger Film, der zweite Teil ein Brettspiel, und der letzte Teil besteht aus einem 24-minütigen Film sowie einem Moment der Stille. In dieser neuen Arbeit, die ursprünglich für den Stockholmer Kunstraum Accelerator entwickelt wurde, erforscht die Filmemacherin und Meditationsleiterin Ester M. Bergsmark den Tastsinn als eine Sensibilität, die wir mit Quallen und uralten Wirbeltieren teilen, und macht ihn als Quelle von Verletzlichkeit und Widerstand zugänglich.

30 Menschen können an der Performance teilnehmen – bitte meldet Euch unter presse@emaf.de rechtzeitig an.

Wir wünschen allen Gästen und Freund*innen des Festivals weiterhin eine gute Zeit und interessante Einblicke beim 37. European Media Art Festival!!

Zum Internationalen Museumstag am 19. Mai bietet das EMAF in der Kunsthalle Osnabrück einen Workshop mit der Künstlerin Lotta Stöver an, in der Zeit von 14 bis 18 Uhr: “Feelers, Sensors: Seismic Vibrations & Cultural Noise”

Die Erde ist niemals statisch, sondern immer in Bewegung. Daher ist die Erde natürlich auch ein Leiter (und ständiger Erzeuger) von niederfrequenten Druckwellen (Schall). In diesem Workshop werden die Teilnehmer*innen nach einer Einführung ins Thema und unter Anleitung durch die Künstlerin Lotta Stöver ihre eigenen seismischen Instrumente bauen, um mit ihnen die Vibrationen, welche die Erdoberfläche überziehen, aufzuspüren und zu fühlen. Die Teilnehmer*innen erproben ihre Instrumente in der Umgebung, können dem “kulturellen Lärm” durch die Erde lauschen, seismische Aktivitäten in Echtzeit beobachten oder die chaotische Mischung aus Erdschwingungen so verstärken, dass sie fühlbar werden.

Lotta Stöver arbeitet als Künstlerin in den Bereichen Medien, Technologien und Forschung. Ihre Arbeiten beschäftigen sich mit der Relation von Phänomenen und Materien zu (neuen) Technologien und wie diese sich austauschen, angleichen, widersprechen, transformieren, de/transitionieren und mutieren. Ihre Artefakte kommen zustande durch Prozesse poetischen Engineerings, digitaler Bildgebungsverfahrung, Schreiben und die Einbeziehung von Daten und Materie in einer verorteten und verkörperten Herangehensweise und stellen Fragen zu (sozialen) Normen, die von natürlichen und technologischen Umgebungen impliziert werden. Ihre Arbeiten formen sich um ein materielles Mitdenken der sozialen Domain von Technologien und resultieren in Beobachtungen, Kritik, queeren Alternativen und utopischen Entwürfen.

Bitte melde Dich für den Workshop an, per e-mail an presse@emaf.de

Picture Copyright: EMAF/ Lotta Stöver

Als wichtiger Treffpunkt für den künstlerischen Nachwuchs präsentiert der EMAF Campus aktuelle Projekte von Klassen führender europäischer Kunst- und Filmhochschulen. In diesem Jahr sind Klassen aus Deutschland, Belgien, Norwegen und Spanien zu Gast und stellen eigens für das Festival entwickelte Ausstellungen und Filmscreenings vor.

Die Kunsthochschule für Medien Köln präsentiert anlässlich ihres 35-jährigen Bestehens eine breite Auswahl experimenteller Kurzfilme der letzten Jahrzehnte und zeigt studentische Produktionen unterschiedlicher medialer Formate: von der Web Serie zum Materialfilm, vom Found Footage Musikvideo zum autobiografischen Film.

Die Filmprogramme der Royal Academy of Fine Arts KASK aus Gent, die 2022 und 2023 von Masterstudierenden der Fachbereiche Film, Animation und Fotografie realisiert wurden, bewegen sich thematisch zwischen der Entfremdung von und dem Eintauchen in die eigene Lebenswelt.

Die Kabelvåg School of Moving Images aus Norwegen entwickelt unter dem Titel In the Belly of the Vacuum Cleaner ihre Ausstellung um das Bild des Staubsaugers, der, ähnlich wie unser Bewusstsein, die Umwelt in sich aufnimmt, sammelt und zu neuen (Un-)Ordnungen zusammenführt.

Die gemeinsame Ausstellung von Universität Osnabrück und Universidad de la Laguna Tenerife zeigt mit BLACKBIRDS SINGING IN THE DARK Perspektiven einer jungen Generation, die durch die aktuelle Präsenz von Krisen, Kriegen, sozialen Ungerechtigkeiten und gesellschaftlichen Traumata geprägt sind.

Harmony of Mindscape ist ein weiteres Projekt von Studierenden des Fachbereichs Kunst der Universität Osnabrück in Zusammenarbeit mit Schüler *innen der Musik- und Kunstschule der Stadt Osnabrück und lässt Besucher *innen spüren, wie sie auf bestimmte Reize reagieren und wann sich diese verändern.

Alle Infos findet Ihr ab sofort unter www.emaf.de und in den kommenden Wochen hier und auf unseren social media-Kanälen!

Wir freuen uns auf Euren Besuch!

Akkreditierungen sind noch bis zum 19. April möglich. Viele Grüße vom Team des EMAF 2024!

Artist in Focus: Phil Collins

Wir freuen uns, Phil Collins als diesjährigen Artist in Focus zu präsentieren. Collins ist international bekannt für seine sozial engagierte Praxis an den Schnittstellen von Kunst, Politik und Popkultur. Er nutzt neben Film, Fotografie und Installation auch performative Situationen und Live-Events, um Aspekte gelebter Erfahrung und Stimmen, die häufig nicht beachtet oder unterdrückt werden, in den Vordergrund zu stellen.

In einem neu beauftragten Essay beschreibt Dominic Paterson, wie Collins „normative Medienbilder strategisch reproduziert, um diese zu stören (oder zu queeren). Seine Arbeit erkennt die Macht dieser Bilder durch die Wiederholung ihrer stark determinierenden Effekte an – eine Eigenschaft, die in der Arbeit selbst immer performativ ist: immer eine Sache von auffälligen Gesten, Demonstrationen, inszenierten Posen und Wiederholungen. Diese demonstrativen und performativen Aspekte verweisen auf so unterschiedliche Vorbilder wie Harun Farocki und Alex Bag. Collins’ Arbeit der letzten Jahre widmet sich jedoch nicht nur der Kritik und Subversion bestehender Framings, sondern vermehrt auch der kollektiven Herstellung von Bedingungen, unter denen Gemeinschaften die Räume, in denen sie als sie selbst erscheinen und auftreten, auch selbst gestalten können.”

Neben anderen Filmen aus mehr als 20 Jahren ist Bring Down the Walls (2020) zu sehen, ein Plädoyer für die Abschaffung der amerikanischen Gefängsnisindustrie und Huldigung an den Dancefloor als Ort der Transzendenz und Befreiung, sein Dokumentarmusical Tomorrow Is Always Too Long (2014), eine moderne Stadtsinfonie und Liebeserklärung an Glasgow, sowie marxism today (prologue) (2010), der durch die persönlichen Geschichten zweier ehemaliger Lehrerinnen für Marxismus-Leninismus und einer olympischen Turnerin aus der DDR die politischen und sozialen Umwälzungen nach dem Fall der Berliner Mauer beleuchtet.

Expanded Cinema & Performances

Die Kooperation mit dem Analogfilmkollektiv LaborBerlin, die im vergangenen Jahr unter dem Titel SPECTRAL. Unburdened Recollections begann, wird auch in diesem Jahr fortgeführt. Das gemeinsame Projekt hat sich der Wiederaufführung historischer Expanded Cinema-Arbeiten verschrieben und präsentiert in diesem Jahr analoge Mehrfachprojektionen und Filmperformances aus den 1960er- und 70er-Jahren. Rekonstruiert wird ein Klassiker des Expanded Cinema von Malcolm Le Grice (kuratiert von Cinzia Nistico, Filmwerkplaats Rotterdam) sowie eine jüngst restaurierte Arbeit der niederländischen Künstlerin Babeth Mondini-VanLoo (kuratiert von Simona Monizza, Eye Filmmuseum Amsterdam). Im Rahmen eines Panels werden die beteiligten Künstlerinnen und Kuratorinnen über die Wiederaufführung und Archivierung von Live-Cinema sprechen und dabei auch ethische Fragen der Rekonstruktion historischer Werke thematisieren.

Neu für das Festival entsteht außerdem Kerstin Schroedinger & Oliver Husains Live-Streaming-Performance Hypericin Yellow-Red Movie (2024), basierend auf Recherchen zu alternativen AIDS-Behandlungsmethoden in der Bundesrepublik der 1990er Jahre. Experimentelle Medizin, photochemische Prozesse sowie alte und neue mediale Übertragungsmedien gehen hier unerwartete Verbindungen ein. Die Performance wird beim Festival und auf drip-drop.tv zu sehen sein. Zur Performance wird außerdem ein Filmprogramm zu sehen sein.

Alle Infos findet Ihr ab sofort unter www.emaf.de und in den kommenden Wochen hier und auf unseren social media-Kanälen!

Wir freuen uns auf Euren Besuch!

Akkreditierungen sind noch bis zum 19. April möglich.

Feelers, Sensors – der Themenschwerpunkt des EMAF 2024 geht der Frage nach, welche Rolle die sinnliche Wahrnehmung für die menschliche und nichtmenschliche Erfahrung von Welt spielt, und wie ein technologisch erweitertes Sensorium die Orientierung und Interaktion in der Welt verändert: die Welt anders teil- und mitteilbar macht.

Wir freuen uns, Euch ab sofort unser Programm präsentieren zu können! Dazu gehören die Filmprogramme zum Thema, der Internationale Wettbewerb, die Langfilm-Sektion, die Programme zum Artist in Focus und Expanded Cinema genauso wie die Ausstellungen, zahlreiche Live-Performances, Lectures, musikalische Livesets und Parties mit Gästen aus aller Welt.

Alle Infos findet Ihr ab sofort unter hier und in den kommenden Wochen auf unseren social media-Kanälen!

Wir freuen uns auf Euren Besuch!

Akkreditierungen sind hier noch bis zum 19. April möglich.

Die Filmprogramme des EMAF bieten auch in diesem Jahr einen breiten Überblick über die experimentelle Filmkunst – von aktuellen Kurz- und Langfilmen bis hin zu historischen Arbeiten und Expanded Cinema. Zahlreiche Künstler*innen werden anwesend sein, um ihre Arbeiten vorzustellen und zu diskutieren.

Zu sehen sind knapp 100 Filme und Filmperformances aus aller Welt. Im Zentrum der Filmprogramme steht der Internationale Wettbewerb, der kurze und mittellange Arbeiten versammelt. Inhaltlich drehen sich zahlreiche Filme um Schichtungen von Raum und Zeit und die Frage, wie wir aus der Vergangenheit für die Gegenwart lernen. Sie rekonstruieren historische Ereignisse, imaginieren alternative Geschichtsverläufe und lesen aus den Erinnerungen Anderer mögliche Wege in die Zukunft ab. Das Verhältnis zu Land und Territorium stellt einen weiteren Schwerpunkt dar. Dokumentarisch und experimentell erzählen die Arbeiten von Ursprüngen und Orientierung, von Verlust und Migration sowie vom Wohnen und Bleiben.

Messaline Raverdys Ôte-toi de mon soleil (2023) dokumentiert einfühlsam die Begegnungen mit einem älteren Mann, der ein labyrinthisches Universum aus Gesammeltem und Angesammeltem bewohnt. Zwischen der Filmemacherin und ihm entwickeln sich beim Aufräumen mäandernde Gespräche über Wissen und Erinnern, über das Erfassen und Festhalten von Welt.

Aus mündlichen Erzählungen, grob gerastertem Bildmaterial und allegorischen Tableaus rekonstruiert Monica Maria Moraru in I Am Also Part of the Three Turns (2024) zwei rumänische Landschaften, die zeitgleich von Naturkatastrophen betroffen waren. Persönliche Verluste und Improvisationen mit dem, was geblieben ist, überschneiden sich mit der staatlich gewollten Zerstörung von Raum und Errichtung neuer, gebauter Landschaften.

Vika Kirchenbauers Essay-Performance-Video COMPASSION AND INCONVENIENCE (2023) befasst sich mit den ersten öffentlichen Ausstellungen zeitgenössischer Kunst in London Mitte des 18. Jahrhunderts. In einer Abfolge performter Szenen werden historische Quellen neu gelesen und in Bezug auf die institutionellen Bedingungen, unter denen heute Kunst sichtbar wird, zum Sprechen gebracht.

Alee Peoples’ Hey Sweet Pea wendet sich humorvoll und spielerisch dem Verschwinden zu. Zwischen reenacteten Mailboxnachrichten der eigenen Mutter und Anleihen beim Jugend-Sci-Fi Die Unendliche Geschichte öffnet sich ein Erzählraum, der das ganz reale Voranschreiten des Nichts, die Zerstörung unserer Umwelt, aber auch den Verlust von Nahestehenden zu fassen versucht.

Mit weiteren Arbeiten von: Razan AlSalah, Tolia Astakhishvili & James Richards, Boris Dewjatkin, Carl Elsaesser, Ismaël Iken, Mira Klug & Johannes Gierlinger, OJOBOCA, Peng Zuqiang, Leonardo Pirondi, Martyna Ratnik, Messaline Raverdy, Steve Reinke, Ann Carolin Renninger, Margaret Salmon & Maria Fusco, Reiji Saito, Clare Samuel, Deniz Şimşek, Jordan Wong, Xin Shen, Yu Wang, Micah Weber und Chris Zhongtian Yuan.

Als Artist in Focus wird in diesem Jahr Phil Collins zu Gast sein. Mehr zu seinem Programm und unseren Planungen zu Expanded Cinema und Performances beim EMAF 2024 erfahrt Ihr in unserem nächsten Newsletter.

Wir freuen uns auf Euren Besuch!

Akkreditierungen sind noch bis zum 19. April möglich.

Still: COMPASSION AND INCONVENIENCE, © Vika Kirchenbauer und VG Bild Kunst

Die von Inga Seidler kuratierte Ausstellung des EMAF, die bis zum 26. Mai in der Kunsthalle Osnabrück zu sehen sein wird, trägt den Titel Feelers, Sensors (Fühler, Sensoren). Sie beschäftigt sich mit den Möglichkeiten und Grenzen der Sinneswahrnehmung und den von ihr erschlossenen Umgebungen im Zeitalter der Künstlichen Intelligenz (KI). Der Begriff „KI“ bezieht sich auf die Fähigkeit von Computern, sensorische Informationen so aufzunehmen und zu verarbeiten, dass sie der menschlichen Wahrnehmung der Welt ähneln. So werfen die Arbeiten in der Ausstellung insbesondere Fragen dazu auf, welche Rollen Technologie im Zusammenhang von Wahrnehmung, Erleben und Sinnstiftung spielen und in Zukunft einnehmen könnten.

Sie zeigt Arbeiten von Caitlin Berrigan, Erik Bünger, Nieves de la Fuente Gutiérrez, Aay Liparoto, Rita Macedo, mots (Daniela Nedovescu und Octavian Mot), Tanita Olbrich, Pedro Oliveira und Lotta Stöver.

Die Künstler*innen der Ausstellung betrachten einerseits maschinelle Wahrnehmung, darüber hinaus untersuchen sie auch die menschlichen Sinne und ihre verschiedenen Wahrnehmungsformen sowie die Wahrnehmungsfähigkeiten von Pflanzen und Tieren.

Den Ausgangspunkt von Rita Macedos Science-Fiction-Öko-Dystopie Farewell recording for an observer of an unknown time and place beispielsweise bildet das sogenannte “Invasive Landscape Phenomenon” (“Invasives Landschafts-phänomen”), eine mysteriöse, sich ausbreitende Krankheit. Dieses Leiden, das an eine dissoziative Traumareaktion erinnert, hat sich in einer Welt entwickelt, die am Rande des ökologischen Zusammenbruchs steht und in der sinnliche Erfahrungen aus erster Hand durch eine mediale Alternative zur physischen Präsenz ersetzt wurden. Die Stimme der Erzähler*in trägt die Betrachter*innen fortlaufend durch das sich entspinnende Narrativ und verwebt darin essayistische Exkurse zu Kapitalismus, Umweltzerstörung, technologischem Fortschritt und Tod.

Mehr Infos zur Ausstellung findet Ihr hier.

Wir freuen uns auf Euren Besuch!

Akkreditierungen sind noch bis zum 19. April möglich.

Viele Grüße vom Team des EMAF 2024!

Picture Copyright: Rita Macedo

Am 24. April beginnt in Osnabrück das 37. European Media Art Festival. Wir freuen uns darauf, fünf Tage lang wieder zum internationalen Treffpunkt für Künstler*innen, Kuratierende, Forschende, Studierende und Film- und Kunstinteressierte zu werden.

Ab sofort können sich Film- und Kunstprofessionals hier für den Besuch des Festivals anmelden.

Die Akkreditierung berechtigt zum freien Eintritt in alle Filmprogramme, die Ausstellungen, Performances, Talks und den EMAF Campus. Akkreditierungsschluss ist der 19. April. Weitere Informationen dazu gibt es hier.

Für Pressevertreter*innen entfällt die Akkreditierungsgebühr - wenden Sie sich bitte vorab an presse@emaf.de, auch wegen vergünstigter Hotelkonditionen.

Details zum Programm gibt es hier in den kommenden Wochen.

Wir freuen uns auf deinen Besuch!

Um uns in der Welt zu orientieren, stehen wir empfindend und wahrnehmend mit ihr in Verbindung. Wir tasten sie mit den Sinnen ab, justieren damit auch unsere Nähe zu und Distanz von Anderen. In Filmen, Installationen, Soundarbeiten, Performances und Wortbeiträgen geht der Themenschwerpunkt Feelers, Sensors in diesem Jahr der Frage nach, welche Rolle die sinnliche Wahrnehmung für die menschliche und nichtmenschliche Erfahrung von Welt spielt, und wie ein technologisch erweitertes Sensorium die Orientierung und Interaktion in der Welt verändert, sie anders teil- und mitteilbar macht.

Wir beobachten eine zunehmende Privatisierung von Raum, die sich auch in unserem sinnlichen Bezug zur Welt äußert, etwa wenn wir uns durch Noisecancelling von störenden äußeren Reizen abschotten. Online-Kommunikation, wie auch „smarte“ oder „sensible“ Technologien, verändern die Art und Weise, wie wir über unsere Sinne miteinander in Kontakt treten, und werfen dabei die Frage auf, welche Formen der Inklusion oder Entfremdung sie befördern. Gleichzeitig können Formate im physischen Raum – von Gruppenmeditationen bis hin zu Demonstrationen – sinnliche und emotionale Erfahrungen vergemeinschaften oder organisieren.

Welche Herausforderung bedeutet schließlich auch die Empfindungsfähigkeit anderer Lebewesen für das menschliche Selbstverständnis und die Verantwortung für ihre Lebensräume? Was oder wer wahrgenommen, öffentlich gesehen oder gehört wird, ist eine politische Frage. Wie kann Leid mitteilbar bleiben, das die individuelle Wahrnehmungsfähigkeit übersteigt oder das Sprechen paralysiert? Wie entwickeln wir sensiblere Fühler und gerechtere Sensoren?

Zum Themenschwerpunkt entstehen eine Ausstellung und drei Filmprogramme, die durch weitere Live-Formate wie Performances, Workshops und Gespräche begleitet und interaktiv erweitert werden. Sie sollen als Räume für Begegnung und Austausch dienen.

Mehr Infos gibt es hier Wir freuen uns, Euch in den kommenden Monaten weiter über die Vorbereitungen zum 37. EMAF auf dem Laufenden zu halten und senden beste Grüße vom EMAF Team 2024!

Unzählige Arbeiten haben uns in den vergangenen Wochen und Monaten erreicht. Vielen Dank dafür! Nun ist unsere Einreichplattform geschlossen und unsere Kommission und die Kurator*innen sind mitten in der Sichtung für das 37. European Media Art Festival.

Zum Jahresbeginn möchten wir eine Veränderung im Führungsteam des European Media Art Festivals ankündigen: Zum 1.5.2024 übernimmt Tanja Horstmann die Geschäftsführung des Festivals. Mit ihrer langjährigen Erfahrung in der Festivalarbeit, unter anderem für die Berlinale, und im Projektmanagement für Träger wie das Arsenal – Institut für Film und Videokunst, wird Tanja Horstmann in den kommenden Jahren die Geschäfte des EMAF übernehmen und gemeinsam mit der Künstlerischen Leiterin Katrin Mundt weiterentwickeln. Horstmann tritt die Nachfolge von Ko-Festivalleiter Alfred Rotert an, der das Festival vor gut vier Jahrzehnten mitbegründet und seitdem mitgestaltet hat und der im Mai in den Ruhestand geht.

„Wir freuen uns, mit Tanja Horstmann eine geeignete Nachfolgerin für Alfred Rotert gefunden zu haben. Ihre umfassende Festivalerfahrung und enge Verbundenheit mit der unabhängigen Filmkultur haben uns im Auswahlverfahren sehr überzeugt. Wir freuen uns sehr auf die Zusammenarbeit!”, so Katrin Mundt für den Vorstand des EMAF-Trägervereins.

Tanja Horstmann hat Film- und Fernsehwissenschaften an der Ruhr-Universität Bochum studiert. Ab 2001 arbeitete sie für das Internationale Forum des Jungen Films, 2006 wechselte sie ins Film Office der Berlinale. Für das Arsenal – Institut für Film und Videokunst e.V. war sie in verschiedenen Aufgabenbereichen tätig. Von 2007 – 2022 unterstützte sie die Sektion Forum der Berlinale bei der Filmauswahl. Seit 2011 war sie als Projektleiterin für verschiedene Film- und Veranstaltungsreihen zuständig, die im Arsenal, im Zeughauskino am Deutschen Historischen Museum Berlin und im Kulturquartier silent green durchgeführt wurden. Des Weiteren betreut sie seit 2003 das von der Berliner Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt geförderte Künstlerinnenprogramm, das in zweijährigem Turnus im Kino Arsenal präsentiert wird.